Ronnie Wood, el don de ser un Rolling Stone

Ronnie Wood junto a Imelda May (Foto Martín Bonetto/Clarín)

Hay algo en Ronnie Wood que excede su condición de guitarrista, su historia y hasta su pertenencia a la banda de rock más grande de la historia. Es su forma de habitar el escenario, de apropiarse de él con una naturalidad que parece reservada a unos pocos elegidos. Ronnie tiene un don, y ese don es ser un Rolling Stone. Lo lleva incorporado en el cuerpo, en sus movimientos, en su manera de empuñar la guitarra y en esa sonrisa de pájaro loco que aparece a cada instante. Durante las dos horas que duró su concierto en el Movistar Arena, le bastó su sola presencia para ejercer ese magnetismo que durante décadas compartió con Mick Jagger y Keith Richards.

La primera señal llegó apenas pisó el escenario. Sin presentaciones ni discursos, Wood atacó los acordes de It's Only Rock 'n' Roll (But I Like It) y desató el primer estallido de la noche. La canción funcionó como una declaración de principios, una síntesis perfecta de aquello que el músico vino a ofrecer: rock and roll en su estado más genuino, interpretado con una vitalidad asombrosa por un hombre que, a sus 79 años, conserva intacta la capacidad de encender a una multitud.

Buena parte de esa intensidad encontró su sostén en una banda imponente, cuyo corazón rítmico reunió a dos viejos compañeros de ruta. Willie Weeks, dueño de un groove hipnótico, construyó desde el bajo una suerte de temblor envolvente, un pulso profundo que atravesó cada canción. A su lado, Andy Newmark aportó una batería poderosa, precisa y de una musicalidad extraordinaria. Ambos acompañaron a Wood en I've Got My Own Album to Do, su debut solista de 1974, y más de medio siglo después conservan una química que parece ajena al paso del tiempo.

La solidez de Johnny Lee Schell en guitarra y el trabajo de Andy Wallace en teclados completaron una formación de enorme categoría, enriquecida por dos voces femeninas de personalidades muy diferentes: Imelda May y Chanel Haynes. Las dos ocuparon un lugar central en el espectáculo, con intervenciones que ampliaron su universo sonoro y momentos propios de enorme intensidad.

Haynes llevó River Deep, Mountain High a un territorio de fervor cercano al de Tina Turner, con una interpretación de potencia arrolladora. Imelda May, por su parte, convirtió Remember (Walking in the Sand), el clásico de las Shangri-Las, en uno de los pasajes más electrizantes del concierto. Su voz, su presencia y su dominio del dramatismo de la canción provocaron una respuesta inmediata de todo el estadio.

El repertorio recorrió las distintas estaciones de la vida musical de Wood, con una selección que permitió apreciar la riqueza de sus influencias y la amplitud de su trayectoria. Los Rolling Stones aparecieron en dosis precisas. Hey Negrita, su aporte al álbum Black and Blue, recuperó el pulso sinuoso de aquella etapa; Country Honk –con acompañamiento en violín de Mera Royle) provocó la segunda gran explosión de la noche, con su espíritu rural y festivo, mientras que Can't You Hear Me Knocking descargó toda su electricidad en una versión directa y contundente donde además hizo sonar su armónica con mucho énfasis.

También hubo espacio para los Faces, aquella extraordinaria banda que compartió con Rod Stewart y Ronnie Lane antes de incorporarse a los Stones. Flying recuperó parte de su espíritu áspero y despreocupado, mientras que Ooh La La abrió uno de los momentos más emotivos del concierto. Su melodía sencilla y su reflexión sobre la experiencia y el paso de los años encontraron una resonancia especial en la voz de Ronnie. El público acompañó el estribillo como si aquellas palabras sobre lo que uno desearía haber sabido en la juventud adquirieran un significado nuevo en boca de quien las cantaba.

El blues ocupó un lugar esencial en la noche. Wood rindió tributo a Dr. Ross y Jimmy Reed, dos nombres fundamentales de una tradición que atraviesa toda su obra. La versión de Dust My Broom, de Elmore James, resultó particularmente reveladora. Ronnie comenzó solo, con su guitarra y el slide, en una interpretación libre, casi primitiva, que recuperó la aspereza del blues original. La posterior irrupción de la batería transformó por completo el clima de la canción y convirtió el comienzo de los bises en una nueva descarga de energía.

También evocó a Johnny Winter con Show Me, una pieza que parece concebida para el temperamento musical de Wood, con su mezcla de desenfado, electricidad y raíces. Y Bob Dylan tuvo su homenaje con Seven Days, tema que Ronnie incorporó hace décadas a su propio repertorio y de la que volvió a ofrecer una interpretación cargada de personalidad.

Sus composiciones ocuparon un espacio reducido. Mystifies Me y I Can Feel the Fire, ambas de su primer álbum solista, recordaron la calidad de un autor cuya obra muchas veces quedó a la sombra de las grandes bandas que integró. Y sorprendió con Outlaws, un rock menos conocido de su cancionero, en el que también asomó una sensibilidad particular, una manera de entender su música como un territorio compartido por el soul, el rhythm and blues y lo más profundo de las raíces estadounidenses.

El repertorio fue inapelable. Quizás el único pasaje que alteró su cohesión fue Take It Easy, el rocksteady de Hopeton Lewis, cuya cadencia encontró menos afinidad con el clima general del concierto. Fue una pequeña oscilación dentro de una actuación de intensidad sostenida, sin fisuras en su ejecución ni en el compromiso de los músicos.

Entre canción y canción, el estadio alentó a Ronnie y coreó una y otra vez el nombre de los Rolling Stones. Él recibió esas manifestaciones con una alegría espontánea, como quien reconoce en cada ovación una historia compartida. Esa misma naturalidad apareció cuando regresó para los bises con una camiseta de la Selección argentina. En Wood, incluso ese gesto habitual de los músicos internacionales adquirió un carácter entrañable. Pareció genuinamente feliz de lucirla y de compartir ese pequeño ritual con el público.

Hacia el final, Gasoline Alley, de Rod Stewart, volvió a conectar con los años en que Ronnie comenzó a construir su identidad musical. Después llegó Stay With Me, el clásico de los Faces, y el Movistar Arena estalló por tercera vez. El riff, el ritmo desbocado y la entrega de toda la banda convirtieron el cierre en una celebración colectiva, a la altura de una canción que conserva intacta su fuerza después de más de medio siglo.

Los músicos dejaron sus instrumentos y se despidieron. Ronnie permaneció unos instantes más sobre el escenario. Con otra camiseta argentina en alto, agitó los brazos frente a un estadio que todavía reclamaba su presencia y que volvió a corear el nombre de los Stones. La escena condensó ese vínculo físico, emocional y casi instintivo con el público, esa capacidad de hacer que miles de personas se sientan parte de una misma celebración.

Con casi 80 años, Ronnie Wood ofreció una actuación de una vitalidad extraordinaria, con mucho oficio, el placer de tocar y una conexión con la gente que permanece intacta. Su guitarra, su voz y su presencia alcanzaron para llenar cada rincón del Movistar Arena. Durante dos horas, todo el universo stone pareció concentrarse en un solo hombre. Y ese hombre disfrutó cada segundo.

Duane Allman, el arquitecto del rock sureño que se convirtió en leyenda a los 24 años

El 29 de octubre de 1971, un accidente de motocicleta en las calles de Macon, Georgia, terminó con la vida de Duane Allman, uno de los guitarristas más influyentes de la historia del rock. Tenía apenas 24 años y estaba en la cima de una carrera que había comenzado a transformar la música estadounidense. A 55 años de su muerte, su nombre permanece asociado al nacimiento del rock sureño, a la evolución de la guitarra slide y a una concepción musical que reunió el blues, el jazz, el soul y el rock bajo una identidad propia.

Howard Duane Allman había nacido el 20 de noviembre de 1946 en Nashville, Tennessee. Su acercamiento a la música estuvo ligado a su hermano menor Gregg, con quien compartió desde la adolescencia una profunda admiración por el rhythm and blues. Ambos comenzaron a tocar en distintas formaciones de Florida, entre ellas The Allman Joys, antes de trasladarse a Los Ángeles para integrar Hour Glass, grupo que publicó dos discos durante la segunda mitad de los años sesenta.

Su desarrollo artístico adquirió una nueva dimensión cuando comenzó a trabajar como músico de sesión en los estudios FAME de Muscle Shoals, Alabama. Allí participó en grabaciones de Wilson Pickett, Aretha Franklin y King Curtis, entre otros artistas. Su intervención en la versión de Hey Jude que registró Pickett en 1968 resultó decisiva para consolidar su reputación como guitarrista.

En 1969 reunió a Gregg Allman, Dickey Betts, Berry Oakley, Butch Trucks y Jaimoe para formar The Allman Brothers Band. La agrupación estableció una propuesta musical singular, con dos guitarras principales, dos baterías, bajo, órgano y una marcada vocación por la improvisación. La interacción entre Allman y Betts se convirtió en uno de los rasgos distintivos de un sonido que encontró en el blues sus raíces y en el jazz una fuente permanente de exploración.

El álbum debut, The Allman Brothers Band (1969), presentó composiciones como Dreams y Whipping Post, mientras que Idlewild South (1970) amplió el reconocimiento del grupo. La consagración llegó con At Fillmore East (1971), registrado durante una serie de conciertos en Nueva York. El disco capturó la extraordinaria capacidad de improvisación de la banda y quedó establecido como una de las grabaciones en vivo fundamentales de la historia del rock.

Duane Allman desarrolló además una técnica excepcional con la guitarra slide, instrumento que tocaba mediante un pequeño frasco de vidrio de medicamento colocado en uno de sus dedos. Su sonido, de una expresividad cercana a la voz humana, adquirió una identidad inconfundible y ejerció una influencia duradera sobre generaciones posteriores de guitarristas.

En 1970 participó también en la grabación de Layla and Other Assorted Love Songs, el histórico álbum de Derek and the Dominos, junto a Eric Clapton. El diálogo entre ambas guitarras resultó fundamental para el carácter del disco, especialmente en canciones como Layla y Why Does Love Got to Be So Sad.

Su muerte ocurrió cuando intentó esquivar un camión mientras conducía su motocicleta por Macon. El accidente interrumpió una trayectoria que apenas comenzaba a alcanzar reconocimiento masivo. The Allman Brothers Band continuó su actividad y publicó en 1972 Eat a Peach, un álbum que incorporó las últimas grabaciones del guitarrista.

La historia sumó otro episodio trágico un año después, cuando el bajista Berry Oakley murió también en un accidente de motocicleta, a pocas cuadras del lugar donde había fallecido Allman.

En 1995, The Allman Brothers Band ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll. El reconocimiento consolidó el lugar de una agrupación que abrió nuevos caminos para el rock estadounidense y cuya influencia se extendió mucho más allá de sus orígenes sureños.

A más de medio siglo de aquella tarde trágica de octubre, las grabaciones de Duane Allman conservan la intensidad de un músico que construyó una obra extraordinaria en un período sorprendentemente breve. Su guitarra permanece como una referencia esencial para comprender la evolución del blues rock y el nacimiento de una de las corrientes más influyentes de la música popular estadounidense.

Un viaje al corazón de From the Cradle, el disco más blusero de Eric Clapton

Hay discos que, más allá de su época, conservan intacta la intensidad con la que fueron concebidos. From the Cradle, el álbum con el que Eric Clapton volvió a sumergirse en las raíces del blues en 1994, es uno de ellos. El sábado por la noche, en el Conventillo Cultural Abasto, Juan Manuel Rodríguez Silva reunió a un grupo de destacados músicos para recrear de principio a fin aquella obra visceral, marcada por el sonido crudo de las guitarras, la herencia de los grandes maestros del género y una oscuridad que parece recorrer cada una de sus canciones.

Rodríguez Silva asumió la voz principal y compartió las primera guitarra con Demián Núñez. El resto de la formación la completaron Lucas Ferrari (Antigua Jazz Band) en teclados, Pipo Herlein (Blues del Sur) en bajo y Federico Razetti en batería. A ellos se sumó Santiago Sorrentino, cuya armónica apareció en los mismos pasajes en los que Jerry Portnoy dejó su huella en la grabación original.

La propuesta respetó el espíritu y el repertorio del álbum, aunque se permitió algunas licencias. La primera fue alterar el orden de algunas canciones, posiblemente para favorecer la dinámica del concierto. Si bien abrieron con Blues Before Sunrise y cerraron con Groaning the Blues, tal como figura en el álbum, las dos piezas acústicas, Driftin' Blues y Motherless Child, sonaron consecutivamente, con Rodríguez Silva y Núñez solos en el escenario. También agruparon los cuatro temas con armónica, entre ellos Hoochie Coochie Man y Standin' Round Crying.

Además hubo espacio para una excursión fuera del repertorio original: interpretaron Crosscut Saw, el clásico asociado a Albert King, que aportó una nueva dosis de intensidad a la velada. Los temas conservaron el pulso del disco de Clapton, enriquecidos por la personalidad de cada instrumentista y por una interacción que fue ganando energía a medida que avanzaba el concierto.

Los conocedores de From the Cradle pudieron advertir algunas diferencias en los arreglos. La ausencia de una sección de vientos, por ejemplo, modificó la arquitectura sonora de canciones como I'm Tore Down, donde las guitarras asumieron buena parte del protagonismo. La banda respondió con un sonido compacto, una base rítmica firme y un permanente diálogo entre las seis cuerdas de Rodríguez Silva y Núñez.

Hubo dos momentos que sobresalieron especialmente. El primero llegó con Someday After a While, cuando Rodríguez Silva alcanzó un registro vocal descomunal. El segundo apareció en Blues Leave Me Alone, con un formidable duelo de guitarras slide que llevó la temperatura del concierto a su punto de ebullición. Los dos guitarristas se encontraron allí en un terreno de expresión compartida, con las cuerdas deslizándose entre fraseos, respuestas y acentos de una tradición que sigue encontrando nuevas voces.

En algún momento del concierto, Rodríguez Silva reflexionó sobre el estado emocional de Clapton cuando grabó From the Cradle. El guitarrista inglés estaba profundamente enojado y esa oscuridad recorría cada una de las canciones. La observación adquiere otra dimensión al recordar que se trató de su primer álbum de estudio después de la muerte de su hijo Conor, ocurrida en 1991.

Grabado con una banda de músicos experimentados y publicado en septiembre de 1994, From the Cradle significó un regreso explícito de Clapton al lenguaje de sus primeros héroes: Muddy Waters, Freddie King, Lowell Fulson, Elmore James y Willie Dixon, entre otros. El álbum reunió versiones de clásicos del blues eléctrico y se convirtió en uno de los trabajos fundamentales de la recuperación del género durante aquella década.

La elección de este repertorio también dice mucho sobre el recorrido de Rodríguez Silva, un músico que ha convertido los conciertos temáticos en una forma de explorar las obras que marcaron su educación musical. En otras oportunidades encabezó homenajes a los Allman Brothers Band, George Harrison, Jimi Hendrix y Cream, además de una recreación del concierto que Clapton ofreció en el estadio de River Plate en 1990.

Esta vez, la mirada estuvo puesta en un disco particularmente exigente, que demanda tanto conocimiento del lenguaje del blues como sensibilidad para abordar canciones cargadas de tensión emocional. Y esa familiaridad con el material se hizo evidente en los fraseos, los solos, las intervenciones de la armónica y la solidez de una banda que encontró su mejor expresión en el trabajo colectivo.

A lo largo del concierto, cada canción dejó entrever la admiración de los músicos por Clapton y por los artistas que alimentaron su universo sonoro. En el Conventillo Cultural Abasto, aquella música que el guitarrista inglés recuperó hace más de tres décadas volvió a encontrar su cauce, impulsada por dos guitarras que parecían conocer de memoria cada curva del camino.

Los Rolling Stones según Esteban Schoj: crónicas de una pasión que atravesó décadas

La pasión por los Rolling Stones y el oficio periodístico se cruzan en Con el tiempo de su lado - Crónicas sobre los Rolling Stones, el primer libro de Esteban Schoj, que reúne textos publicados durante una década en el diario Tiempo Argentino y propone un recorrido por la historia de la banda desde sus orígenes hasta sus trabajos más recientes.

Publicado por Minton Ediciones, el volumen de 170 páginas recupera artículos aparecidos entre 2014 y 2026, suma materiales inéditos y colaboraciones especiales y los organiza de acuerdo con la cronología de los acontecimientos. De esa manera, las crónicas escritas en distintos momentos terminan conformando un relato que permite atravesar más de seis décadas de historia stone.

El punto de partida está en los años iniciales del grupo, con aquel célebre encuentro entre Mick Jagger y Keith Richards en la estación ferroviaria de Dartford, dos jóvenes que descubrieron su interés compartido por el blues y comenzaron una sociedad destinada a convertirse en una de las más importantes del rock. También aparecen los primeros pasos en el Marquee Club de Londres, el debut discográfico de 1964 y las raíces musicales que moldearon el sonido de los Stones.

Schoj, conocido como “el Loco” y ferviente seguidor de la banda, combina en esas páginas su conocimiento de la historia del grupo con las herramientas adquiridas durante su trayectoria periodística. El resultado avanza entre la reconstrucción histórica, la crítica musical, los perfiles, las entrevistas y la crónica, con una mirada atravesada años de escucha y seguimiento.

Entre los ejes centrales figuran las reseñas y análisis de discos fundamentales como Sticky Fingers, Exile On Main St., Goats Head Soup, Tattoo You y Voodoo Lounge. El recorrido llega también hasta Hackney Diamonds y Foreign Tongues, los trabajos editados en la etapa posterior a la muerte del baterista Charlie Watts.

El libro reserva además espacio para los protagonistas de la historia stone, con perfiles dedicados a Jagger, Richards y Watts, y se detiene en figuras vinculadas al universo de la banda. Una de ellas es Michael Cooper, fotógrafo fundamental de la escena londinense de los años 60 y responsable de imágenes asociadas a la iconografía de aquella era.

Otro de los grandes capítulos está dedicado a la relación de los Rolling Stones con la Argentina. Allí Schoj recupera la visita de Richards a Buenos Aires en 1992, un acontecimiento que anticipó la explosión stone que llegaría tres años después, cuando el grupo desembarcó por primera vez en el país para ofrecer cinco conciertos en el estadio de River Plate.

Ese vínculo con el público argentino atraviesa buena parte del volumen y aporta el “pulso argento” que distingue la propuesta. La historia de la banda se enlaza así con el fenómeno cultural que los Stones provocaron en el país y con una devoción que adquirió características propias desde aquellos años 90.

Entre los materiales incluidos aparece también una entrevista a Bernard Fowler, histórico corista de los Stones, y los prólogos del periodista Diego Perri (autor de República Stone) y Juan Ignacio Muñoz, creador de 40x Tributo Bar. Schoj suma además un texto sobre Hate It When You Leave, canción de Richards, escrito en colaboración con Tony Vardé, editor del libro y autor de Una canción hizo la diferencia y Grabando emociones - La revolución de Stax.

La organización cronológica permite leer el volumen como una extensa historia de los Rolling Stones construida a partir de piezas periodísticas independientes. El propio Schoj propone también otra posibilidad: que cada lector arme su recorrido y pueda “pasear por estas páginas de manera aleatoria y desordenada”, siguiendo canciones, discos, personajes o momentos según sus propios intereses.

Nacido en Morón en 1986, Schoj es periodista y docente. Integró el staff de Tiempo Argentino, donde trabajó en Deportes e Información General y realizó colaboraciones en Espectáculos, donde se publicó buena parte de sus artículos sobre los Stones. Su vínculo con la banda también lo llevó a Londres, donde asistió al histórico concierto de Hyde Park realizado en el marco de las celebraciones por sus 50 años.

Ese camino encuentra ahora su primera forma de libro. Entre Dartford, Londres, River, discos, giras, entrevistas y recuerdos, Con el tiempo de su lado reúne la mirada de un periodista que convirtió una pasión de toda la vida en materia de crónica.

John Coltrane, cien años del hombre que expandió los límites del jazz

A cien años del nacimiento de John Coltrane, su música conserva la fuerza exploratoria que lo convirtió en una de las figuras centrales del jazz del siglo XX. Saxofonista de técnica deslumbrante, compositor y líder de algunos de los grupos fundamentales de su tiempo, en apenas una década al frente de sus propias formaciones recorrió el hard bop, la improvisación modal y el free jazz, en una búsqueda que terminó por unir experimentación musical y espiritualidad. Murió en 1967, a los 40 años, cuando su obra todavía avanzaba hacia nuevos territorios.

Coltrane nació el 23 de septiembre de 1926 y creció en High Point, Carolina del Norte. La música apareció temprano en su vida: en 1939 ingresó a una banda comunitaria, donde tocó clarinete y corno alto, y luego adoptó el saxo alto en la escuela secundaria. Tras graduarse, en 1943 se instaló en Filadelfia, ciudad en la que profundizó su formación y comenzó a tocar en clubes. En 1945 fue reclutado por la Marina y destinado a Hawái. Allí realizó, el 13 de julio de 1946, su primera grabación conocida, una versión de Hot House, de Tadd Dameron.

De regreso en Filadelfia pasó por distintas orquestas y cambió el saxo alto por el tenor, instrumento que quedaría definitivamente asociado a su nombre. Tocó con King Kolax, Jimmy Heath y Dizzy Gillespie, con quien registró en 1951 su primer solo en disco. Los primeros años de la década también estuvieron atravesados por su adicción a la heroína, que afectó su carrera y llegó a costarle su puesto en la banda de Johnny Hodges.

El salto decisivo llegó en 1955, cuando Miles Davis lo incorporó a su quinteto junto con Red Garland, Paul Chambers y “Philly” Joe Jones. Con esa formación participó de una serie de grabaciones esenciales, entre ellas 'Round About Midnight, Cookin', Relaxin', Workin' y Steamin'. La relación con Davis atravesó interrupciones vinculadas con los problemas de adicción de Coltrane, hasta que en 1957 el saxofonista logró abandonar las drogas y comenzó a consolidar su propio camino. Ese año grabó su primer disco como líder, Coltrane, y poco después registró Blue Train. También se incorporó al cuarteto de Thelonious Monk, una experiencia clave para el desarrollo de su lenguaje.

Su forma de tocar se volvió cada vez más intensa y expansiva. El crítico Ira Gitler acuñó en 1958 la expresión “sheets of sound” para describir aquellas ráfagas de notas que Coltrane desplegaba sobre el saxo tenor. En 1959 volvió a dejar una marca junto a Miles Davis en Kind of Blue, álbum construido alrededor de la improvisación modal y convertido en una de las grabaciones más celebradas de la historia de la música.

Ese mismo año grabó Giant Steps, publicado en 1960 y compuesto íntegramente por piezas propias. El disco terminó de afirmar su condición de líder y abrió la etapa de mayor transformación de su música. En abril de 1960 dejó definitivamente el grupo de Davis y formó su propia banda. El piano quedó pronto en manos de McCoy Tyner y la batería pasó a Elvin Jones, mientras Coltrane incorporaba cada vez con mayor frecuencia el saxo soprano.

Con ese instrumento registró en octubre de 1960 My Favorite Things, la canción de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II que convirtió en una de sus piezas emblemáticas. El éxito de la grabación amplió su popularidad y acompañó su llegada a Impulse! Records, sello para el que desarrollaría la etapa más audaz de su carrera. Su música comenzó a ser definida como avant-garde, free o “The New Thing”, con improvisaciones extensas y estructuras cada vez más abiertas. En 1961 grabó Live at the Village Vanguard, donde la interpretación de 16 minutos de Chasin' the Trane condensó esa vocación exploratoria.

Durante los años siguientes amplió todavía más el alcance de su obra. Grabó Ballads, un álbum junto a Duke Ellington y otro con el cantante Johnny Hartman; publicó Impressions, Live at Birdland y Crescent y en 1965 llegó a A Love Supreme, uno de sus trabajos más reconocidos. El álbum integró de manera explícita su búsqueda espiritual con su exploración musical, obtuvo dos nominaciones al Grammy y se convirtió en su disco más vendido. 

Grabado durante dos días de diciembre de 1964 por el cuarteto clásico de Coltrane -con Elvin Jones, McCoy Tyner y Jimmy Garrison- A Love Supreme reunió sus innovaciones musicales con la profunda espiritualidad que marcaba su vida. La obra está dividida en cuatro partes -Acknowledgement, Resolution, Pursuance y Psalm- que trazan un recorrido desde el despertar espiritual hasta la iluminación. En apenas 33 minutos, Coltrane convirtió esa experiencia en una música intensa, emotiva y por momentos cercana a la plegaria.

También en 1965 apareció Ascension, otra muestra del rumbo cada vez más libre que había adoptado su música. Un año más tarde se editaron Kulu Se Mama y Meditations, sus últimas grabaciones publicadas durante su vida. Coltrane alcanzó a terminar y aprobar Expression apenas días antes de morir de cáncer de hígado, en julio de 1967. Tenía 40 años y había transcurrido apenas una década desde la aparición de su primer LP como líder. 

Su catálogo siguió creciendo mucho después de su muerte. Grabaciones en vivo, sesiones perdidas y material de archivo volvieron periódicamente a colocar su nombre en circulación: recibió un Grammy en 1981 por Bye Bye Blackbird y el premio a la trayectoria de la Academia en 1992. Décadas más tarde aparecieron registros como Both Directions at Once: The Lost Album, procedente de una sesión de 1963, y Blue World, grabado en 1964 entre las sesiones de Crescent y A Love Supreme.

El centenario encuentra así a Coltrane con una obra que todavía funciona como referencia para generaciones de músicos. Su legado reposa en sus discos y también en una concepción de la creación basada en la experimentación, el riesgo y una dedicación permanente al oficio. Su recorrido, desde las primeras bandas hasta los límites del free jazz, quedó condensado en poco más de dos décadas de actividad profesional que alcanzó para modificar el vocabulario del jazz.

Aerosmith antes de ser Aerosmith: las cintas que revelan el nacimiento de una leyenda

Mucho antes de los estadios, los millones de discos vendidos, los videos de MTV y las canciones que convertirían a Aerosmith en una de las bandas más populares del rock estadounidense, hubo una época en la que Steven Tyler, Joe Perry, Tom Hamilton, Joey Kramer y Brad Whitford eran apenas un grupo de jóvenes músicos tratando de encontrar su sonido. De ese momento casi doméstico, todavía sin contratos ni fama, quedaron unas cintas que durante décadas permanecieron olvidadas y que recién en 2022 fueron editadas bajo el título 1971: The Road Starts Hear.

Escucharlas hoy supone retroceder 55 años y entrar en una sala de ensayo de Boston donde Aerosmith todavía no era Aerosmith en el sentido que la historia le daría después a ese nombre. La banda se había formado alrededor de 1970, a partir del encuentro entre Tyler, Perry y Hamilton, con Joey Kramer en batería y, poco después, Brad Whitford ocupando el lugar de Ray Tabano como guitarrista. En esos primeros tiempos, el grupo funcionaba como una banda de bares, alimentada por el blues, el rock británico y la necesidad de tocar cada vez más fuerte y mejor.

Ese es precisamente el valor de The Road Starts Hear: documenta a una banda que todavía está tratando de convertirse en aquello que finalmente será. Las grabaciones fueron realizadas en octubre de 1971 con una grabadora Wollensak perteneciente a Joe Perry, durante ensayos en Boston. Mark Lehman, dueño de la camioneta que utilizaba la banda y uno de sus primeros roadies, estuvo detrás de esas tomas. La cinta terminó archivada durante décadas hasta ser recuperada de los llamados Vindaloo Vaults de Aerosmith.

El documento contiene siete canciones: Somebody, Reefer Head Woman, Walkin’ the Dog, Movin’ Out, Major Barbara, Dream On y Mama Kin. Varias de ellas terminarían formando parte del repertorio que Aerosmith llevaría al estudio para su primer álbum, publicado en 1973. 

Dream On, que sería uno de los grandes clásicos de Aerosmith, aparece aquí en un estado todavía embrionario, con otra versión de la segunda estrofa, mayor presencia del piano y un final que sería descartado para la grabación definitiva. La voz de Tyler también suena diferente: más cruda, menos controlada, lejos todavía del cantante que pocos años después desarrollaría una de las personalidades más reconocibles del hard rock.

Mama Kin permite escuchar otro proceso de transformación. El riff que luego se volvería inmediatamente reconocible aparece aquí ejecutado con una guitarra más limpia y con una impronta mucho más cercana al blues de los años 60. En Walkin’ the Dog, el clásico de Rufus Thomas que también versionaron en sus comienzos los Rolling Stones, la banda se mueve con una soltura casi de jam, mientras Reefer Head Woman exhibe con especial claridad el vínculo de Tyler y Perry con el blues. Esa canción sería grabada nuevamente en 1979 para Night in the Ruts. Major Barbara, por su parte, permanecería durante años fuera del repertorio de estudio y recién aparecería oficialmente en 1986, en Classics Live.

El sonido está lejos de ser perfecto. La grabación es turbia, irregular y por momentos desprolija. Pero justamente allí reside buena parte de su interés. No hay todavía una producción que acomode las guitarras, corrija los errores o transforme a Tyler en el showman que llegará después. Lo que aparece es una banda de blues-rock pesada, con influencias que van desde el blues estadounidense hasta Jeff Beck, The Yardbirds y Led Zeppelin. La revista Rolling Stone definió esas canciones como una suerte de “fósil” de Aerosmith.

La edición de 2022 comenzó como un lanzamiento limitado para el Record Store Day de 2021, en cassette y vinilo, y luego llegó al CD, al formato digital y nuevamente al vinilo. Aquella primera edición se agotó rápidamente y llegó incluso a las listas de Billboard, una respuesta significativa para un registro que llevaba medio siglo guardado y que, en términos estrictos, no era un nuevo álbum de la banda.

Más de medio siglo después, esas voces y esos instrumentos funcionan como una cápsula del tiempo. El debut de 1973 marcaría el comienzo discográfico de Aerosmith, pero estas cintas permiten retroceder todavía un paso más: hasta el momento en que la historia todavía no había comenzado oficialmente y la banda simplemente ensayaba, tocaba, se equivocaba y volvía a empezar. En ese sonido imperfecto, áspero y todavía en construcción aparece, quizás, la versión más genuina de Aerosmith: la de una banda que todavía no sabía que estaba a punto de convertirse en leyenda.

Cassandra Wilson, una voz que llevó el jazz más allá de sus fronteras

Cassandra Wilson, una de las voces más singulares y reconocidas del jazz estadounidense de las últimas décadas, murió el miércoles a los 70 años en su ciudad natal de Jackson, Mississippi, rodeada por familiares y amigos. La noticia fue comunicada por su representante de toda la vida, Robert Torre, quien la definió como una “artista de jazz legendaria”. No se informó la causa del fallecimiento y la familia pidió privacidad.

Cantante, compositora y productora, Wilson construyó una trayectoria de más de tres décadas a partir de una voz de contralto grave, expresiva y de enorme flexibilidad, pero también de una particular manera de entender el jazz: como un territorio abierto a fusionarse con el blues, el folk, el pop, el country y el rock.

Nacida en 1955 en Jackson, creció en una familia vinculada con la música y la educación. Su padre era profesor de música y contrabajista de jazz, mientras que su madre era maestra de escuela primaria. Comenzó a estudiar piano a los seis años y a los 12 incorporó la guitarra. Durante la adolescencia escribió sus primeras canciones, de orientación folk, tocó el clarinete y participó en distintas producciones teatrales.

Después de estudiar en Millsaps College y Jackson State University, donde se graduó en Comunicación, continuó desarrollándose como cantante en bandas locales, cafés y escenarios de su ciudad. En 1981, un trabajo en la televisión la llevó a Nueva Orleans, donde entró en contacto con figuras fundamentales del jazz de esa ciudad, entre ellas Ellis Marsalis, Earl Turbinton y Alvin Batiste.

Ese período resultó decisivo. Poco después se trasladó a Nueva York y se vinculó con el saxofonista Steve Coleman, convirtiéndose en una de las voces principales del M-Base Collective, un movimiento que buscaba renovar el lenguaje del jazz a partir de estructuras rítmicas y armónicas alejadas de las convenciones tradicionales.

Como solista debutó en 1986 con Point of View, un disco en el que ya aparecía acompañada por Coleman y otros músicos vinculados con aquella escena. Fue a comienzos de los noventa cuando encontró una identidad artística que la distinguiría definitivamente.

Con Blue Light 'Til Dawn (1993) se alejó de los formatos más convencionales del jazz vocal para abordar un repertorio acústico y marcado por el blues. Allí convivían composiciones propias con canciones de Robert Johnson, Van Morrison y Joni Mitchell. Dos años después llegó New Moon Daughter, una obra que le valió su primer Grammy, en 1997, al mejor álbum de interpretación vocal de jazz.

Su capacidad para transformar materiales ajenos se convirtió desde entonces en una de sus principales características. Wilson podía acercarse a los estándares clásicos con la misma naturalidad con la que reinterpretaba canciones de los Beatles, Hank Williams o Joni Mitchell. También exploró la obra de Miles Davis en Traveling Miles (1999) y participó en proyectos de colegas como Dave Holland, Bill Frisell y Wynton Marsalis.

Su colaboración con Marsalis tuvo además una dimensión especialmente significativa: Wilson participó en Blood on the Fields, la monumental obra que obtuvo el Pulitzer de Música en 1997.

Durante los años siguientes mantuvo esa vocación exploratoria. Belly of the Sun (2002) volvió a combinar composiciones propias con piezas de Robbie Robertson, Jimmy Webb y Antonio Carlos Jobim; Glamoured (2003) reforzó su faceta como compositora; y Thunderbird (2006) incorporó elementos del hip-hop y el sampling.

En 2008, con Loverly, regresó al repertorio de estándares y obtuvo su segundo Grammy, esta vez por mejor álbum de jazz vocal. Después llegaron Silver Pony (2010), Another Country (2012) y Coming Forth by Day (2015), un homenaje a Billie Holiday producido por Nick Launay, conocido por su trabajo con artistas del rock.

Reconocida también con un Django d'Or, un Edison Music Award y una distinción en el Mississippi Blues Trail, Cassandra Wilson dejó una obra difícil de encasillar. Su legado no se limita a la tradición del jazz vocal: fue, sobre todo, el de una artista que entendió la interpretación como una forma de reinvención permanente.

Gonzalo Bergara, un relato de blues construido nota por nota

Gonzalo Bergara es de esos guitarristas que no necesitan demasiadas apariciones para dejar en claro de qué son capaces. Su regreso con el trío que integran su hermano Maxi Bergara en batería y Mariano D’Andrea en bajo, diez años después de la edición de Zalo’s Blues, permitió comprobarlo otra vez. El viernes por la noche, en Antiguas Lunas, el grupo ofreció un show sólido, preciso y sin concesiones, sostenido por un repertorio con el blues, el swing y el rock como protagonistas.

Con su Strato y una pedalera que tuvo un papel decisivo en la construcción del sonido, Bergara desplegó un repertorio en el que la técnica nunca quedó separada de la música. Sus solos no fueron demostraciones aisladas de destreza, sino pequeños relatos construidos con corcheas, negras y fusas, con pausas, desplazamientos y cambios de intensidad. El tono, uno de sus rasgos distintivos, es parte esencial de esa identidad que fue reconocida por guitarristas como Charlie Baty, Junior Watson y J.P. Soars.

La formación noventosa de Bergara apareció con claridad en No More, un shuffle que remite al lenguaje de los Fabulous Thunderbirds, y en Drinking, un rock & roll en el que su voz alcanzó la crudeza que el tema pedía. En Singing My Song apareció una impronta hendrixiana y una interpretación vocal intensa, con reminiscencias de JJ Grey.

El swing instrumental de Drawback fue uno de los momentos de mayor precisión, al igual que su particular versión de Mary Had a Little Lamb, rebautizada Mary Had a Schizophrenic Lamb por el yeite tocado al revés. Allí Bergara llevó la guitarra hacia zonas de gran complejidad sin perder de vista la estructura de las canciones ni el pulso del trío.

La noche tuvo además un episodio inesperado. En medio de un blues lento y profundo, cuando había llevado la interpretación hasta un punto de máxima tensión, Bergara rompió una cuerda. Mientras su hermano y D’Andrea mantuvieron el pulso de la música, el guitarrista la cambió y, en ese momento, su mujer y su pequeño hijo se acercaron al escenario para despedirse. Bergara aprovechó la situación para bromear y convirtió el pequeño contratiempo en un momento de complicidad con el público, que respondió con risas y aplausos. Para el cierre presentó una versión sietemesina de Tired, una canción de su próximo disco.

Entre los asistentes estuvieron músicos como Hugo Mangeri, Pato Raffo, César Valdomir y Juancho Hernández. Su presencia aportó otra lectura a una noche en la que Bergara volvió a mostrar por qué su guitarra despierta atención entre sus pares: no sólo por lo que puede tocar, sino por la manera en que consigue convertir cada frase en parte de un discurso propio.

Fernando Goin, una celebración de la música sin artificios

Fotos Alan Distefano.

En tiempos en los que la velocidad, lo efímero y las imágenes cuidadosamente impostadas se  imponen sobre el contenido, escuchar a Fernando Goin es casi un acto de resistencia. El guitarrista, cantante, compositor y coleccionista de discos ofreció el jueves por la noche, en un Thelonious colmado, un show que fue mucho más que un repaso por el cancionero tradicional estadounidense: fue un viaje hacia el las raíces del rock and roll.

Acompañado por Santiago "Rulo" García en guitarra con slide, y Mauro Bonamico en contrabajo, Goin construyó durante una hora y media un paisaje sonoro donde el country, el blues y el folk convivieron con absoluta naturalidad. El recorrido comenzó con Ma Rainey, la composición de Memphis Minnie dedicada a la legendaria "madre del blues", para continuar con una sutil versión de I Can't Get You Off My Mind, de Hank Williams. El trío siguió con Will the Circle Be Unbroken, el himno cristiano compuesto en 1907 que décadas después popularizó The Carter Family, una interpretación cargada de emoción y respeto por la tradición.

Uno de los momentos más inspirados de la noche llegó con On the Sunny Side of the Street. Sobre la melodía inmortalizada por Louis Armstrong, Goin y sus músicos imprimieron un elegante aire jazzero. Luego llegaron Truckin' My Blues Away, de Blind Boy Fuller, y el clásico Rollin' and Tumblin', que tiñeron la sala de blues rural y prepararon el terreno para la aparición de la armoniquista Ximena Monzón. La invitada desplegó toda su sensibilidad en Trouble in Mind y Little Black Train, aportando una sonoridad que enriqueció aún más el repertorio.

La segunda mitad del concierto retrocedió todavía más en el tiempo. Goin visitó el universo de Jimmie Rodgers con Miss the Mississippi and You y Peach Pickin' Time in Georgia, recreando con notable exactitud el inconfundible Blue Yodel que convirtió al músico estadounidense en el padre de la música country.

Entre clásicos de un mundo que ya no existe, como Blue Moon, Milk Cow Blues y Big Bill Blues, también hubo espacio para uno de los compositores que más marcaron su carrera: Bob Dylan. Del autor de Blowin' in the Wind, a quien Goin ya había homenajeado con un álbum completo de versiones, sonaron Leavin' the Blues, I'll Be Your Baby Tonight y Don't Think Twice, It's All Right, interpretadas con la sobriedad y el respeto que caracterizan su manera de abordar el repertorio ajeno.

Para los bises volvió a sumarse Ximena Monzón en Kansas City, antes de un cierre a puro blues con Moanin' the Blues, que encontró a Goin cantando con la misma pasión con la que transita este repertorio desde hace décadas.

El show confirmó el sólido funcionamiento del trío, que prometió más presentaciones de aquí a fin de año. El trabajo de Rulo García, alternando la guitarra con slide y el dobro, aporta ese inconfundible color sonoro asociado al country y al blues del sur de Estados Unidos, mientras que Bonamico sostiene cada canción con un contrabajo preciso, de pulso firme y siempre al servicio del ritmo.

Goin lleva años defendiendo una tradición musical que considera fundacional, esa música que, como dijo, "nos dio el rumbo". Un rumbo que lo llevo a estudiar y versionar a los grandes maestros del blues y el country, y también a desarrollar una obra propia profundamente atravesada por esas influencias. Lo de Thelonious fue una celebración de la música hecha sin artificios. Orgánica, honesta y tocada con las manos, con el corazón y con un profundo apego por una tradición que tiene a Fernando Goin a uno de sus intérpretes más auténticos.

Buddy Guy cumple 90 y el blues celebra a su último gran patriarca

Cuando Buddy Guy llegue a los 90 años el próximo 30 de julio, el blues celebrará mucho más que el cumpleaños de uno de sus guitarristas más influyentes: festejará la vigencia del último gran puente vivo entre la era dorada del género y el presente. A casi siete décadas de haber llegado a Chicago con una guitarra, un pasaje de ida y el sueño de tocar junto a sus ídolos, el músico estadounidense atraviesa un nuevo momento de popularidad impulsado por la película Sinners, administra personalmente su mítico club Buddy Guy's Legends y sigue su recorrida por los escenarios acompañado por invitados de lujo.

Lejos de pensar en el retiro, Buddy Guy convirtió su aniversario número 90 en una celebración itinerante. Aunque en 2023 anunció la gira Damn Right Farewell Tour, el supuesto adiós terminó extendiéndose por la enorme demanda del público. Los conciertos de este año mantienen intacta la energía de un artista que sigue sorprendiendo con una presencia escénica que desafía su edad y reúne a varias generaciones de fanáticos.

Su renovada exposición tiene mucho que ver con Sinners, la exitosa película de Ryan Coogler que combina blues y horror sobrenatural. Allí interpreta la versión anciana de Sammie Moore, un personaje cuya historia funciona como homenaje a las raíces del blues. El filme lo presentó ante un público mucho más joven, que comenzó a descubrir su figura tanto por la actuación como por una carrera que marcó profundamente la historia de la guitarra eléctrica. El propio Guy reconoce con humor que ahora, incluso en el supermercado, muchos lo saludan como "el hombre de Sinners".

Ese renovado interés coincidió con la aparición de Ain't Done with the Blues, su vigésimo álbum de estudio, un trabajo que reafirma un mensaje claro desde el propio título: todavía no terminó con el blues. El disco suma colaboraciones de figuras como Joe Walsh, Joe Bonamassa y Peter Frampton, una continuidad de una costumbre que en las últimas décadas también reunió junto a él a Mick Jagger, Keith Richards, Jeff Beck, Eric Clapton, Mark Knopfler, James Taylor y Mavis Staples, entre muchos otros.

Una vida dedicada al blues

Nacido como George Guy el 30 de julio de 1936 en Lettsworth, Luisiana, creció en una familia de campesinos que cultivaba algodón. Sus primeras notas salieron de una guitarra casera construida con alambre y latas antes de pasar a un instrumento acústico. Inspirado por T-Bone Walker, B.B. King, Lightnin' Hopkins y Guitar Slim, en 1957 tomó un tren hacia Chicago decidido a abrirse camino en la ciudad donde el blues había encontrado una nueva identidad.

Su irrupción no fue sencilla. Tras grabar para Cobra Records llegó a Chess Records, la discográfica de Muddy Waters y Howlin' Wolf, donde registró clásicos como First Time I Met the Blues y trabajó como sesionista para buena parte de las grandes figuras del sello. Sin embargo, la compañía nunca terminó de comprender el sonido explosivo y la expresividad de una guitarra que anticipaba buena parte del rock que vendría después. Durante años fue más admirado por sus colegas que por la industria, mientras músicos como Jimi Hendrix, Eric Clapton, Jeff Beck o Stevie Ray Vaughan lo señalaban públicamente como una influencia decisiva.

La consagración comercial recién llegó en 1991 con Damn Right, I've Got the Blues, un álbum que ganó un Grammy y lo transformó definitivamente en una figura internacional. Desde entonces acumuló ocho premios Grammy, ingresó al Salón de la Fama del Rock & Roll, recibió la Medalla Nacional de las Artes, fue distinguido por el Kennedy Center y hasta compartió escenario con el entonces presidente Barack Obama durante una histórica interpretación de Sweet Home Chicago en la Casa Blanca.

Cuando no está de gira, su vida pasa por el Buddy Guy's Legends, el club que abrió en Chicago en 1989 y que continúa administrando personalmente. Allí suele ocupar una banqueta al final de la barra observando cada detalle del funcionamiento del local, firmando discos, saludando a los visitantes y, muchas veces sin previo aviso, subiéndose al escenario para tocar junto a la banda residente. Para muchos turistas, entrar al Legends significa también la posibilidad de encontrarse cara a cara con una leyenda viviente.

Las celebraciones por su cumpleaños suelen convertir el club en una verdadera peregrinación de seguidores. En su cumpleaños 89, rodeado por hijos y nietos, Guy recibió una torta de cumpleaños antes de volver a hacer lo que mejor sabe: tomar la guitarra, mezclarse entre el público y extender durante horas una actuación que parecía desafiar cualquier límite físico. "Soy el último viejo que todavía camina y toca blues", dijo en una entrevista a la Rolling Stone repetir, recordando la promesa que les hizo a Muddy Waters y Howlin' Wolf de mantener vivo el género.

Ahora con casi 90 años, Buddy Guy continúa honrando esa promesa. Mientras nuevas generaciones llegan hasta él gracias al cine y artistas contemporáneos como Christone "Kingfish" Ingram lo reconocen como el gran referente del blues moderno, el guitarrista sigue demostrando que su legado no pertenece únicamente al pasado. Todavía se escribe en presente, escenario tras escenario, con la misma intensidad que lo convirtió en una de las figuras más influyentes de la música popular del último siglo.

Buddy Guy se prepara para dar más de 20 shows en Estados Unidos de aquí al 1° de octubre cuando lo espera una gran celebración en el Radio City Music Hall de Nueva York en la que contará con la presencia de Eric Clapton, John Mayer, Robert Cray, Joe Bonamassa, Gary Clark Jr., Jimmie Vaughan, Steve Jordan, Billy Gibbons, Eric Gales y muchos más.

Buddy Guy en Argentina

El célebre guitarrista estuvo tres veces en la Argentina. La primera vez fue en noviembre de 1993. Se presentó en el Teatro Gran Rex acompañado por Scott Holt en guitarra, Greg Rzab en bajo y Ray "Killer" Allison en batería. El ex Manal Javier Martínez hizo las veces de telonero. Volvió al mismo escenario dos años más tarde, en diciembre de 1995, con dos shows explosivos que tuvieron en la previa al guitarrista Miguel Vilanova, conocido por entonces como Botafogo, abriendo el show. La última vez fue bastante tiempo después, en mayo de 2012, pero la locación no varió y se mantuvo en la sala de la Avenida Corrientes.

Además, fue uno de los artistas presentes en el escenario del mítico Madison Square Garden de Nueva York, aquella noche del 10 de agosto de 1993 cuando B.B. King invitó a tocar a Pappo, un momento histórico para el blues argentino.

Los Rolling Stones desafían otra despedida con Foreign Tongues

Los Rolling Stones llevan más de cuatro décadas sobreviviendo a un rumor que se repite con obstinación: el del final inminente. Desde las tensas sesiones de Dirty Work en los ochenta hasta la muerte de Charlie Watts en 2021, cada crisis pareció ofrecer una excusa perfecta para decretar el cierre de una historia que, a pesar de los años y los momentos vividos, sigue escribiéndose. Foreign Tongues, lanzado este viernes, vuelve a demostrar que el grupo más longevo del rock todavía encuentra motivos para entrar al estudio.

El disco llega tres años después de Hackney Diamonds, el trabajo que quebró casi dos décadas sin material original y que devolvió a la banda al centro de la escena. Aquel álbum funcionó como una reafirmación de vigencia y ahora Foreign Tongues deja en claro que la banda ya no necesita demostrar nada. En este disco suena más relajada, más espontánea y más cercana a sí misma.

Grabado en pocas semanas junto al productor Andrew Watt, el álbum apuesta por una dinámica casi de banda tocando en vivo. Mick Jagger cuenta las entradas en varias canciones, Keith Richards y Ronnie Wood recuperan ese viejo diálogo de guitarras que desde Some Girls forma parte del ADN stone, mientras Steve Jordan, reemplazante de Watts, reproduce con sorprendente naturalidad el pulso que durante seis décadas sostuvo el baterista fallecido. Darryl Jones completa una base sólida y Steve Winwood aporta teclados que refuerzan el costado soul del repertorio.

Aunque el listado de invitados incluye nombres tan llamativos como Paul McCartney, Robert Smith, Bruno Mars, Benmont Tench y Chad Smith, ninguno altera el equilibrio. Todos aparecen con discreción, dejando que el protagonismo permanezca donde corresponde. Incluso la participación póstuma de Charlie Watts en Hit Me in the Head evita convertirse en un recurso nostálgico: simplemente recuerda cómo sonaban los Stones cuando el motor original seguía en marcha.

Musicalmente, Foreign Tongues evita cualquier intento de aggiornarse mediante artificios. Hay rock de guitarras, rhythm and blues, country, soul y referencias permanentes a Chuck Berry, Muddy Waters y el blues eléctrico que dio origen a la banda. También aparecen una versión de You Know I'm No Good, de Amy Winehouse, y un cierre acústico con Beautiful Delilah, de Berry, interpretado únicamente por Jagger y Richards, como si durante unos minutos regresaran a aquellos adolescentes que compartían discos en la estación de Dartford.

Las nuevas composiciones tampoco esquivan el presente. Divine Intervention ironiza sobre el clima apocalíptico del mundo contemporáneo; Covered in You apunta contra los autoritarismos y los magnates tecnológicos; Ringing Hollow observa con desencanto un Estados Unidos distante del sueño que alguna vez fascinó a la banda. Sin transformarse en un manifiesto político, Jagger vuelve a demostrar que el comentario social sigue siendo una herramienta natural dentro de su escritura.

A sus casi 83 años, el cantante conserva una voz sorprendentemente firme y una capacidad intacta para alternar cinismo, humor y vulnerabilidad. Richards, por su parte, firma la emotiva Some of Us, una balada nacida de una idea que arrastraba desde los años 80 y que termina funcionando como uno de los momentos más sinceros del álbum.

Nadie espera que Foreign Tongues compita con la secuencia irrepetible que va de Beggars Banquet a Exile on Main St.. Ni siquiera los propios stones parecen interesados en esa comparación. Lo que consiguen aquí es algo menos grandilocuente pero quizá más difícil: sonar convencidos de seguir siendo una banda y no una institución dedicada a administrar su propio legado.

Queda la incógnita de si habrá otra gira o incluso otro disco. A esta altura, hacer pronósticos con los Rolling Stones parece un ejercicio condenado al fracaso. Cada vez que el calendario invita a pensar en una despedida, ellos responden con otra colección de canciones.

Clive Davis, el abogado que cambió para siempre la industria de la música

La muerte de Clive Davis, ocurrida el lunes a los 94 años, puso fin a una de las carreras más influyentes en la historia de la industria musical. Durante más de seis décadas, el ejecutivo estadounidense fue el hombre detrás del despegue o la consolidación de artistas como Bob Dylan, Janis Joplin, Santana, Bruce Springsteen, Barry Manilow, Whitney Houston, Patti Smith, Alicia Keys, Paul Simon, Aretha Franklin y Kelly Clarkson, entre muchos otros.

Graduado en Derecho por la Universidad de Harvard, Davis nunca imaginó que su destino estaría en la música. En 1960 ingresó a Columbia Records como abogado especializado en contratos. Una de sus primeras tareas consistió en renegociar el contrato de Bob Dylan, cuya validez había expirado al cumplir el cantante la mayoría de edad. La habilidad con la que resolvió aquella negociación llamó la atención de la dirección de la compañía y marcó el comienzo de un ascenso meteórico.

Tras ocupar distintos cargos ejecutivos, en 1967 fue nombrado presidente de Columbia Records. Su llegada coincidió con la explosión del rock y, a diferencia de muchos ejecutivos de la vieja guardia, comprendió rápidamente que el futuro de la industria estaba cambiando. Una visita al Festival de Monterey ese mismo año fue decisiva: allí descubrió el potencial de Big Brother & the Holding Company, la banda de Janis Joplin, y poco después incorporó a Santana y Electric Flag. Más adelante llegarían Chicago, Billy Joel y Bruce Springsteen, entre otros nombres fundamentales del catálogo de la compañía.

Su carrera sufrió un duro golpe en 1973, cuando fue despedido de CBS tras una investigación por irregularidades financieras que derivó en una declaración de culpabilidad por evasión fiscal. Lejos de desaparecer, Davis convirtió el escándalo en una oportunidad para comenzar de nuevo.

Al frente de una nueva compañía, rebautizada como Arista Records, construyó otro imperio discográfico. El sello ganó prestigio con el lanzamiento de Horses, el álbum debut de Patti Smith, y posteriormente sumó a artistas como Grateful Dead. Durante las décadas de 1980 y 1990 su legendario "oído de oro" volvió a demostrar su eficacia con incorporaciones como Whitney Houston, Kenny G y Sarah McLachlan.

También impulsó el crecimiento de la música country con la creación de Arista Nashville, que reunió a figuras como Alan Jackson, Brooks & Dunn y Diamond Rio. Aunque reconocía que el rap no era un género que comprendiera del todo, supo rodearse de quienes sí lo hacían. Se asoció con L.A. Reid y Babyface para crear LaFace Records, sello que lanzó al estrellato a TLC, Toni Braxton, OutKast, Monica y P!nk. Poco después cerró un acuerdo con Sean "Puffy" Combs para desarrollar Bad Boy Records, hogar de artistas como The Notorious B.I.G., Faith Evans, Mase y 112.

En 1999 volvió a demostrar su capacidad para detectar oportunidades al fichar nuevamente a Santana. El álbum Supernatural se convirtió en un fenómeno mundial, ganó nueve premios Grammy y vendió más de 26 millones de copias.

A comienzos de la década de 2000 fue desplazado de la presidencia de Arista, pero una vez más respondió creando un nuevo sello, J Records, financiado por BMG. En muy poco tiempo incorporó a Alicia Keys, Luther Vandross, Busta Rhymes y Rod Stewart. En 2003 regresó al mando de Arista al ser designado presidente y director ejecutivo de RCA Music Group. Tras la fusión entre BMG y Sony, asumió como director creativo de Sony BMG y posteriormente de Sony Music.

Además de su trabajo como ejecutivo, Davis recibió cinco premios Grammy como productor gracias a álbumes como Supernatural de Santana, Breakaway de Kelly Clarkson y el debut homónimo de Jennifer Hudson. En 1997 obtuvo una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y en 2000 ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll. Tres años más tarde, publicó sus memorias, The Soundtrack of My Life, y cuatro años después su trayectoria fue retratada en el documental Clive Davis: The Soundtrack of Our Lives.

Respetado por su intuición para descubrir artistas y también cuestionado por su fuerte personalidad y algunas controversias empresariales, Clive Davis dejó una huella difícil de igualar. Pocos ejecutivos tuvieron una influencia tan decisiva sobre el sonido de la música popular de la segunda mitad del siglo XX y los primeros años del XXI.

Pulp, vigencia y elegancia

Fotos: Alejandra Morasano

Pocas figuras del rock conservan la capacidad de adueñarse de un escenario con la naturalidad de Jarvis Cocker. A sus 63 años, vestido como un bibliotecario universitario y lejos de cualquier pose de estrella de rock, el líder de Pulp demostró en el Movistar Arena que el carisma es como un buen vino. Cocker es un performer descomunal, un juglar atemporal capaz de transmitir cada canción sin filtros, con humor, elegancia y una presencia escénica que convierte al público en parte de la función.

Lo de Pulp en Buenos Aires no fue un ejercicio de nostalgia noventosa ni una celebración de su propia leyenda. Fue una demostración de vigencia artística. La música brilló por los arreglos, la precisión interpretativa y una sonoridad impecable que encontró en Cocker a su principal guía.

Ya no son aquellos jóvenes de Sheffield que ayudaron a definir el Britpop. Hoy, rondando los sesenta y pico, representan una época que para muchos fue la última gran edad dorada del rock antes de la fragmentación digital. Y esa conciencia se percibe en cada decisión del show: no hay canciones de relleno ni momentos rutinarios. Cada tema está interpretado con pasión, oficio y una atención al detalle que pocas bandas de su generación conservan.

Junto al guitarrista Mark Webber, la tecladista Candida Doyle y el baterista Nick Banks, además de cuatro músicos de apoyo, Pulp construyó un sonido envolvente y elegante. Las bases rítmicas fueron contundentes, los teclados aportaron profundidad y las guitarras encontraron siempre el equilibrio justo entre energía y sofisticación.

El concierto se extendió durante poco más de dos horas y media, con un intervalo de 15 minutos, y recorrió 25 canciones. El repertorio incluyó siete temas de More, el álbum publicado en 2025, donde conviven naturalmente temas nuevos con otros escritos a lo largo de su carrera. El resto del set estuvo dominado por canciones de Different Class, uno de los discos fundamentales de la década del noventa.

La primera parte comenzó con Sorted for E's & Wizz y rápidamente alcanzó un clima de euforia cuando sonaron los primeros acordes de Disco 2000. Hubo otros momentos destacados, como Underwear, antes de cerrar ese bloque con Sunrise, del álbum We Love Life. Las proyecciones sobre la pantalla y un preciso trabajo de luces acompañaron la propuesta sin distraer la atención de lo esencial: la música.

Entre el público predominaban los espectadores de entre 40 y 55 años, muchos de ellos reencontrándose con la banda que marcó parte de su juventud. Sin embargo, el show nunca quedó atrapado en la nostalgia. Pulp tocó como una banda que sigue mirando hacia adelante.

Cocker intentó comunicarse varias veces en castellano. No siempre fue sencillo entenderlo. Uno de los momentos más curiosos llegó cuando dijo: “Todos tenemos un Ricardo Di Vareno. Yo tengo un Ricardo Di Vareno. ¿Vos tenés un Ricardo Di Vareno?”. Recién después muchos comprendieron que intentaba pronunciar “un sueño de verano”.

La segunda parte mantuvo intacta la intensidad. Los cuatro miembros originales regresaron al escenario para un comienzo acústico con Something Changed, un guiño a los primeros años de la banda en Sheffield. Pero el punto culminante de la noche estaba reservado para Common People. La canción sonó irresistible, expansiva, celebrada por un público que la cantó y la bailó como si el tiempo no hubiera pasado.

Antes del final, Cocker jugó con las palabras y dedicó Tina a la Argentina. Luego, apremiado por el horario, cerró la velada con A Little Soul. Fue el final perfecto para una noche en la que Pulp confirmó que su legado no depende de la nostalgia. 

J.P. Soars: blues y vinos sin distancia en Miami

Hay lugares que parecen hechos para que la música suene distinta. Lagniappe House, en el corazón de Miami, justo a las afueras de Midtown, el Design District y el distrito artístico de Wynwood, es uno de esos. A mitad de camino entre vinería, living desordenado y patio de película indie, el espacio invita a demorarse: elegir un queso de la heladera como si uno estuviera en un almacén de barrio, sumar un fiambre, pagar esos cinco dólares extra para que lo conviertan en tabla y salir a buscar una mesa entre luces cálidas y conversaciones cruzadas.

Adentro, los sillones y las mesas miran hacia un rincón que apenas sugiere escenario. No hace falta más. Ahí se acomodó J.P. Soars con su trío y empezó a armar, tema a tema, un clima que fue creciendo sin apuro. Blues, sí, pero no solo, con un aire medio santanesco que se colaba en los solos, o cierta mística hendrixiana emanada de una pequeña Cigar Box Guitar o una H1446 Silvertone, que de pronto dio un giro (in)esperado hacia retazos de gypsy swing o una cadencia típica de la bossa nova. Todo convivió con naturalidad, como si los géneros fueran apenas excusas.

Soars toca con esa mezcla de precisión y riesgo que tienen los músicos curtidos. Se nota que lleva años en la ruta, que armó su carrera de a poco, “ladrillo por ladrillo”, como le gusta decir. Junto a sus Red Hots —Cleveland Frederick en bajo y Chris Peet en batería— construye un sonido sólido pero flexible, capaz de pasar de la sutileza a la explosión sin perder elegancia.

Entre el primer y el segundo set, el clima no se corta: la gente sigue yendo y viniendo con copas de vino, alguien hace fila para el baño en ese pasillo eterno, mientras en el fondo el jardín respira. En ese intervalo aparece la charla. Soars, relajado, cuenta que admira a Gonzalo Bergara —no sorprende, tocaron juntos y se nota que dejó una marca en su estilo—, que hizo una gira por Brasil y que le gustaría darse una vuelta por Argentina. Lo dice sin grandilocuencia, como quien deja una idea flotando.

Después vuelve la música. Y otra vez esa sensación de que todo encaja: el vino, las luces, la madera, las conversaciones bajas, la guitarra que se estira un poco más de lo esperado. En Lagniappe House, la noche no parece tener un centro claro. O mejor dicho: el centro es ese momento en el que, sin darte cuenta, ya estás completamente adentro.