Clive Davis, el abogado que cambió para siempre la industria de la música

La muerte de Clive Davis, ocurrida el lunes a los 94 años, puso fin a una de las carreras más influyentes en la historia de la industria musical. Durante más de seis décadas, el ejecutivo estadounidense fue el hombre detrás del despegue o la consolidación de artistas como Bob Dylan, Janis Joplin, Santana, Bruce Springsteen, Barry Manilow, Whitney Houston, Patti Smith, Alicia Keys, Paul Simon, Aretha Franklin y Kelly Clarkson, entre muchos otros.

Graduado en Derecho por la Universidad de Harvard, Davis nunca imaginó que su destino estaría en la música. En 1960 ingresó a Columbia Records como abogado especializado en contratos. Una de sus primeras tareas consistió en renegociar el contrato de Bob Dylan, cuya validez había expirado al cumplir el cantante la mayoría de edad. La habilidad con la que resolvió aquella negociación llamó la atención de la dirección de la compañía y marcó el comienzo de un ascenso meteórico.

Tras ocupar distintos cargos ejecutivos, en 1967 fue nombrado presidente de Columbia Records. Su llegada coincidió con la explosión del rock y, a diferencia de muchos ejecutivos de la vieja guardia, comprendió rápidamente que el futuro de la industria estaba cambiando. Una visita al Festival de Monterey ese mismo año fue decisiva: allí descubrió el potencial de Big Brother & the Holding Company, la banda de Janis Joplin, y poco después incorporó a Santana y Electric Flag. Más adelante llegarían Chicago, Billy Joel y Bruce Springsteen, entre otros nombres fundamentales del catálogo de la compañía.

Su carrera sufrió un duro golpe en 1973, cuando fue despedido de CBS tras una investigación por irregularidades financieras que derivó en una declaración de culpabilidad por evasión fiscal. Lejos de desaparecer, Davis convirtió el escándalo en una oportunidad para comenzar de nuevo.

Al frente de una nueva compañía, rebautizada como Arista Records, construyó otro imperio discográfico. El sello ganó prestigio con el lanzamiento de Horses, el álbum debut de Patti Smith, y posteriormente sumó a artistas como Grateful Dead. Durante las décadas de 1980 y 1990 su legendario "oído de oro" volvió a demostrar su eficacia con incorporaciones como Whitney Houston, Kenny G y Sarah McLachlan.

También impulsó el crecimiento de la música country con la creación de Arista Nashville, que reunió a figuras como Alan Jackson, Brooks & Dunn y Diamond Rio. Aunque reconocía que el rap no era un género que comprendiera del todo, supo rodearse de quienes sí lo hacían. Se asoció con L.A. Reid y Babyface para crear LaFace Records, sello que lanzó al estrellato a TLC, Toni Braxton, OutKast, Monica y P!nk. Poco después cerró un acuerdo con Sean "Puffy" Combs para desarrollar Bad Boy Records, hogar de artistas como The Notorious B.I.G., Faith Evans, Mase y 112.

En 1999 volvió a demostrar su capacidad para detectar oportunidades al fichar nuevamente a Santana. El álbum Supernatural se convirtió en un fenómeno mundial, ganó nueve premios Grammy y vendió más de 26 millones de copias.

A comienzos de la década de 2000 fue desplazado de la presidencia de Arista, pero una vez más respondió creando un nuevo sello, J Records, financiado por BMG. En muy poco tiempo incorporó a Alicia Keys, Luther Vandross, Busta Rhymes y Rod Stewart. En 2003 regresó al mando de Arista al ser designado presidente y director ejecutivo de RCA Music Group. Tras la fusión entre BMG y Sony, asumió como director creativo de Sony BMG y posteriormente de Sony Music.

Además de su trabajo como ejecutivo, Davis recibió cinco premios Grammy como productor gracias a álbumes como Supernatural de Santana, Breakaway de Kelly Clarkson y el debut homónimo de Jennifer Hudson. En 1997 obtuvo una estrella en el Paseo de la Fama de Hollywood y en 2000 ingresó al Salón de la Fama del Rock and Roll. Tres años más tarde, publicó sus memorias, The Soundtrack of My Life, y cuatro años después su trayectoria fue retratada en el documental Clive Davis: The Soundtrack of Our Lives.

Respetado por su intuición para descubrir artistas y también cuestionado por su fuerte personalidad y algunas controversias empresariales, Clive Davis dejó una huella difícil de igualar. Pocos ejecutivos tuvieron una influencia tan decisiva sobre el sonido de la música popular de la segunda mitad del siglo XX y los primeros años del XXI.

Pulp, vigencia y elegancia

Fotos: Alejandra Morasano

Pocas figuras del rock conservan la capacidad de adueñarse de un escenario con la naturalidad de Jarvis Cocker. A sus 63 años, vestido como un bibliotecario universitario y lejos de cualquier pose de estrella de rock, el líder de Pulp demostró en el Movistar Arena que el carisma es como un buen vino. Cocker es un performer descomunal, un juglar atemporal capaz de transmitir cada canción sin filtros, con humor, elegancia y una presencia escénica que convierte al público en parte de la función.

Lo de Pulp en Buenos Aires no fue un ejercicio de nostalgia noventosa ni una celebración de su propia leyenda. Fue una demostración de vigencia artística. La música brilló por los arreglos, la precisión interpretativa y una sonoridad impecable que encontró en Cocker a su principal guía.

Ya no son aquellos jóvenes de Sheffield que ayudaron a definir el Britpop. Hoy, rondando los sesenta y pico, representan una época que para muchos fue la última gran edad dorada del rock antes de la fragmentación digital. Y esa conciencia se percibe en cada decisión del show: no hay canciones de relleno ni momentos rutinarios. Cada tema está interpretado con pasión, oficio y una atención al detalle que pocas bandas de su generación conservan.

Junto al guitarrista Mark Webber, la tecladista Candida Doyle y el baterista Nick Banks, además de cuatro músicos de apoyo, Pulp construyó un sonido envolvente y elegante. Las bases rítmicas fueron contundentes, los teclados aportaron profundidad y las guitarras encontraron siempre el equilibrio justo entre energía y sofisticación.

El concierto se extendió durante poco más de dos horas y media, con un intervalo de 15 minutos, y recorrió 25 canciones. El repertorio incluyó siete temas de More, el álbum publicado en 2025, donde conviven naturalmente temas nuevos con otros escritos a lo largo de su carrera. El resto del set estuvo dominado por canciones de Different Class, uno de los discos fundamentales de la década del noventa.

La primera parte comenzó con Sorted for E's & Wizz y rápidamente alcanzó un clima de euforia cuando sonaron los primeros acordes de Disco 2000. Hubo otros momentos destacados, como Underwear, antes de cerrar ese bloque con Sunrise, del álbum We Love Life. Las proyecciones sobre la pantalla y un preciso trabajo de luces acompañaron la propuesta sin distraer la atención de lo esencial: la música.

Entre el público predominaban los espectadores de entre 40 y 55 años, muchos de ellos reencontrándose con la banda que marcó parte de su juventud. Sin embargo, el show nunca quedó atrapado en la nostalgia. Pulp tocó como una banda que sigue mirando hacia adelante.

Cocker intentó comunicarse varias veces en castellano. No siempre fue sencillo entenderlo. Uno de los momentos más curiosos llegó cuando dijo: “Todos tenemos un Ricardo Di Vareno. Yo tengo un Ricardo Di Vareno. ¿Vos tenés un Ricardo Di Vareno?”. Recién después muchos comprendieron que intentaba pronunciar “un sueño de verano”.

La segunda parte mantuvo intacta la intensidad. Los cuatro miembros originales regresaron al escenario para un comienzo acústico con Something Changed, un guiño a los primeros años de la banda en Sheffield. Pero el punto culminante de la noche estaba reservado para Common People. La canción sonó irresistible, expansiva, celebrada por un público que la cantó y la bailó como si el tiempo no hubiera pasado.

Antes del final, Cocker jugó con las palabras y dedicó Tina a la Argentina. Luego, apremiado por el horario, cerró la velada con A Little Soul. Fue el final perfecto para una noche en la que Pulp confirmó que su legado no depende de la nostalgia. 

J.P. Soars: blues y vinos sin distancia en Miami

Hay lugares que parecen hechos para que la música suene distinta. Lagniappe House, en el corazón de Miami, justo a las afueras de Midtown, el Design District y el distrito artístico de Wynwood, es uno de esos. A mitad de camino entre vinería, living desordenado y patio de película indie, el espacio invita a demorarse: elegir un queso de la heladera como si uno estuviera en un almacén de barrio, sumar un fiambre, pagar esos cinco dólares extra para que lo conviertan en tabla y salir a buscar una mesa entre luces cálidas y conversaciones cruzadas.

Adentro, los sillones y las mesas miran hacia un rincón que apenas sugiere escenario. No hace falta más. Ahí se acomodó J.P. Soars con su trío y empezó a armar, tema a tema, un clima que fue creciendo sin apuro. Blues, sí, pero no solo, con un aire medio santanesco que se colaba en los solos, o cierta mística hendrixiana emanada de una pequeña Cigar Box Guitar o una H1446 Silvertone, que de pronto dio un giro (in)esperado hacia retazos de gypsy swing o una cadencia típica de la bossa nova. Todo convivió con naturalidad, como si los géneros fueran apenas excusas.

Soars toca con esa mezcla de precisión y riesgo que tienen los músicos curtidos. Se nota que lleva años en la ruta, que armó su carrera de a poco, “ladrillo por ladrillo”, como le gusta decir. Junto a sus Red Hots —Cleveland Frederick en bajo y Chris Peet en batería— construye un sonido sólido pero flexible, capaz de pasar de la sutileza a la explosión sin perder elegancia.

Entre el primer y el segundo set, el clima no se corta: la gente sigue yendo y viniendo con copas de vino, alguien hace fila para el baño en ese pasillo eterno, mientras en el fondo el jardín respira. En ese intervalo aparece la charla. Soars, relajado, cuenta que admira a Gonzalo Bergara —no sorprende, tocaron juntos y se nota que dejó una marca en su estilo—, que hizo una gira por Brasil y que le gustaría darse una vuelta por Argentina. Lo dice sin grandilocuencia, como quien deja una idea flotando.

Después vuelve la música. Y otra vez esa sensación de que todo encaja: el vino, las luces, la madera, las conversaciones bajas, la guitarra que se estira un poco más de lo esperado. En Lagniappe House, la noche no parece tener un centro claro. O mejor dicho: el centro es ese momento en el que, sin darte cuenta, ya estás completamente adentro.

Blackberry Smoke desató una noche ardiente de rock sureño en Palermo

Desde el primer acorde de Good One Comin’ On, Blackberry Smoke dejó en claro que su debut en Buenos Aires no sería uno más dentro de la gira Rattle, Ramble and Roll Tour. Sin pausas, el quinteto encadenó Six Ways to Sunday y Payback’s a Bitch, marcando el pulso de una noche intensa en Groove, en Palermo, con un público encendido y un sonido tan potente como nítido, sostenido por el clásico empuje de amplificadores Marshall.

El repertorio recorrió buena parte de su discografía, con momentos destacados en Rock and Roll Again, Let It Burn, Pretty Little Lie, Waiting for the Thunder y Sure Was Good, tema que el propio Charlie Starr presentó con una frase que resonó como declaración de principios: “Estamos celebrando nuestros 25 años de carrera, es la primera vez que venimos y ya es nuestro mejor show de la gira”. La respuesta del público confirmó la conexión inmediata entre banda y audiencia.

Uno de los puntos más celebrados llegó con Sleeping Dog, que incluyó un guiño al clásico Come Together de The Beatles, en un interludio que reforzó el nexo constante del grupo con la tradición del rock. Esa misma lógica atravesó todo el show: tres guitarras afiladas, sin excesos ni largas improvisaciones, al servicio de canciones que se imponen por melodía, arreglos y una marcada raíz blusera.

El tramo final elevó aún más la temperatura. One Horse Town abrió una seguidilla contundente que continuó con la balada Ain’t Got the Blues y desembocó en Run Away From It All, donde el pogo frente al escenario selló uno de los momentos más intensos de la noche. Para los bises, Starr reapareció con la camiseta de la Selección argentina y lideró una potente versión de But You Did, de ZZ Top, antes de cerrar con Ain’t Much Left of Me, que incluyó referencias a Willin’ y Don’t Bogart That Joint, en sintonía con el espíritu de Waiting for Columbus de Little Feat, además de un pasaje con When the Levee Breaks de Led Zeppelin.

Con una formación sólida —Starr en voz y guitarra, Paul Jackson en guitarra, Richard Turner en bajo y Brandon Still en teclados— reforzada por Benji Shanks y el baterista Kent Aberle, incorporado tras la muerte de Brit Turner en 2024, Blackberry Smoke volcó el espíritu musical de Georgia y ofreció una actuación sin fisuras. Lejos de artificios, la banda apostó a la contundencia de su propuesta y a una identidad que, si bien remite a referentes como Lynyrd Skynyrd o The Allman Brothers Band, se afirma con voz propia.

El resultado fue un show que creció en intensidad hasta volverse arrollador, confirmando que el rock sureño, en manos de Blackberry Smoke, sigue siendo una experiencia vibrante, auténtica y profundamente conmovedora.

AC/DC en River: una maquinaria implacable que no da señales de despedida

Foto prensa DF.

En una noche espesa, con una humedad bochornosa que se adhería al cuerpo, y la luna llena recortando el cielo sobre un Monumental repleto, AC/DC volvió a hacer lo suyo sin desvíos ni sorpresas: tocar rock & roll, fuerte y directo. Más de 70 mil personas asistieron a un show que no necesitó novedades para impactar, y donde la la magia de Angus Young convirtió cada tema en algo tangible, casi físico.

El repertorio no cambió respecto de las dos fechas anteriores, aunque hubo un detalle que marcó el pulso emocional de la noche: el público le cantó varias veces el feliz cumpleaños a Angus, que celebró sus 71 arriba del escenario. Antes del show, circularon rumores sobre una posible aparición de Axl Rose. No pasó nada. Puro ruido de redes.

Todo el concierto orbitó alrededor del histórico guitarrista. No solo por lo que toca, sino por cómo ocupa el espacio. Se mueve sin pausa, estira los solos, recorre la pasarela como si el escenario fuera una extensión natural de su cuerpo. Su figura sostiene el show y lo empuja hacia adelante, sin dar respiro. No hay nostalgia en su performance, sino una energía concreta, presente, que organiza todo lo demás.

La banda responde con una solidez que no admite fisuras. Las guitarras encajan con precisión, la base rítmica empuja sin desbordarse y cada riff es como una clase de historia del rock. Brian Johnson sostiene su lugar con una voz áspera, exigida, casi al límite, que por momentos pierde claridad pero nunca actitud. A su lado, Stevie Young, Chris Chaney y el baterista Matt Laug hacen lo suyo sin estridencias: sostener la estructura para que todo avance con peso propio.

El set recorrió los clásicos casi sin omisiones: Back in Black, Hells Bells, Highway to Hell, Shoot to Thrill, Dirty Deeds Done Dirt Cheap, High Voltage y You Shook Me All Night Long. Fueron 21 temas en poco más de dos horas. Johnson solo se permitió una salida del guion para decir: “Ustedes son el mejor público del mundo y lo saben”.

Thunderstruck fue uno de los momentos más intensos. El campo se desarmó en un pogo masivo, de esos en los que la lógica individual desaparece. Lo que pasa ahí adentro ya no se controla: se atraviesa.

En el tramo final, cuando parecía que todo estaba dicho, la banda estiró el cierre media hora más. Una poderosa Whole Lotta Rosie abrió la puerta a Let There Be Rock y a un solo largo de Angus, que durante unos 15 minutos sostuvo al estadio entero en un mismo pulso.

Los bises llegaron con T.N.T. y For Those About to Rock (We Salute You), un cierre épico acompañados por fuegos artificiales que marcaron el final del tercer y último show de su tercera visita a la Argentina (ya habían estado en 1996 y 2009). No hubo despedidas grandilocuentes ni señales de continuidad. El final quedó abierto.

Más allá de lo musical, el contexto dejó en evidencia una tensión creciente en los grandes espectáculos. La expansión del campo VIP redefine la experiencia: diluye su carácter exclusivo para quienes pagan la entrada más cara, al tiempo que relega al público general a un espacio cada vez más distante de los protagonistas. Aunque en los dos últimos shows se intentó una corrección parcial adelantando la valla, la lógica comercial parece imponerse sobre aquella idea original del rock como experiencia horizontal.

AC/DC reafirmó su vigencia no desde la innovación, sino desde la fidelidad a una identidad inquebrantable. Es una maquinaria aceitada que, décadas después, sigue funcionando a máxima potencia. Sin adornos, sin guiños de más. Solo volumen, ritmo y una idea clara de lo que tienen que hacer. 

Blues del Sur presenta Plan Perfecto, un álbum crudo y visceral grabado en toma directa

Tras casi tres décadas de trayectoria, Blues del Sur vuelve a escena con Plan Perfecto, su cuarto álbum de estudio, una obra marcada por la intensidad emocional y una estética sonora directa, sin artificios. Grabado en una sola toma en los estudios Romaphonic, el disco refleja el pulso vital de la banda y su lectura crítica del presente.

Con producción artística de Marcelo Marín, guitarrista y principal compositor del grupo, el trabajo fue registrado en vivo en estudio, una decisión que, según sus protagonistas, responde a la necesidad de capturar la urgencia expresiva del material. “Este creo que es el disco más sincero y auténtico que podíamos hacer; las letras y la música reflejan mi momento de unos años hasta acá, enojado y oscuro a veces”, explicó Marín.

La formación se completa con el carismático Matías Fernández en voz y armónica; Alejandro Yaques en batería, armónica y trumpet lips; Hernán Herlein en bajo y Luciano Herlein en teclados. El álbum suma además una serie de colaboraciones destacadas: Ricardo Tapia en Espalda de Fakir, Vasco Bariain en Caída Libre, Meliza Blanco en Toda urgencia es mentira, Verónica Simo y Jackie del Rock en Un Guernica en Constitución, y una sección de vientos integrada por Lionel de Francisco y Lucas Clementi en Hagamos reír a Dios.

Uno de los momentos centrales del disco es Roma Blues, una composición nacida en el propio estudio. “Arrancamos en 2024, poco después que asumiera (Javier) Milei. El ingeniero Néstor Tinaro propuso hacer un slow blues instrumental porque nos quedaba tiempo. Le dije que sí, pero a la noche pensé: ‘¿Roma Blues instrumental? Si estamos viviendo en Roma’. Y en cinco minutos hice la letra”, relató Marín. El tema, registrado en primera toma, funciona como una metáfora política y social atravesada por imágenes de violencia, poder y resignación colectiva.

"Mucho lío y pocos héroes , las focas aplaudiendo al tiburón / gacelas elegantes , sonrientes / lustran los dientes del león / arde Roma , y es por propia decisión la sangre pinta estrellas en la arena / mientras rie el emperador".

El álbum se configura así como un “grito de furia”. “Se dice que lo contrario a la depresión es la expresión, y esto sería algo así. Cuanto más pesa la realidad, más fuerza contraria hacemos para no dejarnos pisar”, afirmó Marín. Esa lógica atraviesa también otras canciones grabadas sin ensayo previo, como Espalda de Fakir y Un Guernica en Constitución, esta última con una narrativa descarnada que refuerza el tono oscuro del conjunto.

Plan Perfecto se inscribe en la tradición del blues rock más visceral, pero con un anclaje explícito en la coyuntura argentina reciente, donde lo personal y lo político se entrelazan sin mediaciones. El resultado es un disco urgente, de sonido orgánico, que privilegia la intensidad por sobre la perfección técnica.

Blues del Sur presentará oficialmente el álbum el viernes 24 de abril en Café Berlín, en un concierto que buscará trasladar al vivo la misma energía cruda que define a este nuevo trabajo.

Dirty Work, 40 años después: el disco que expuso la fractura de los Rolling Stones

A 40 años del lanzamiento de Dirty Work, el álbum de The Rolling Stones es todavía uno de los capítulos más controvertidos de su extensa discografía: un trabajo atravesado por tensiones internas, cambios en la industria musical y una búsqueda estética que no logró consolidarse.

Publicado el 24 de marzo de 1986, el disco nació en un contexto de fuerte deterioro en la relación entre Mick Jagger y Keith Richards, quienes apenas mantenían contacto durante el proceso de grabación. Mientras Jagger apostaba a consolidar su carrera solista con She's the Boss (1985), Richards avanzaba en la producción de un nuevo material de la banda con el apoyo de Ronnie Wood.

Las sesiones, desarrolladas entre París y Nueva York en 1985 bajo la producción de Steve Lillywhite, reflejaron esa fractura. La participación de Jagger fue intermitente y el protagonismo creativo recayó en Richards, quien incluso asumió la voz principal en dos canciones. La falta de cohesión también se evidenció en los créditos de composición, que incluyeron combinaciones inusuales dentro del grupo.

A este clima se sumaron dificultades personales. Charlie Watts atravesaba problemas de adicción que limitaron su intervención, lo que llevó a que bateristas como Steve Jordan, Anton Fig e incluso el propio Wood participaran en distintas pistas. En paralelo, la banda prescindió de una gira promocional, una decisión inédita en su carrera y síntoma del desgaste interno.

En lo musical, Dirty Work fue concebido como un retorno a las raíces rockeras tras las exploraciones más cercanas al pop y al dance de Undercover (1983). Sin embargo, la producción pulida y con fuerte impronta ochentosa —marcada por sintetizadores y efectos— terminó por anclar el disco a su tiempo y alimentar críticas sobre su falta de identidad.

Aun así, el álbum contiene momentos destacados. Temas como One Hit (To the Body), Had It With You o Winning Ugly exhiben una energía directa y agresiva, mientras que Sleep Tonight, cantada por Richards, aporta un tono introspectivo poco habitual. También sobresale Too Rude, una incursión en el reggae, y la versión de Harlem Shuffle, original de Bob & Earl.

El disco contó además con colaboraciones de alto perfil, entre ellas Jimmy Page, Bobby Womack y Tom Waits, en un intento por revitalizar el sonido de la banda en un contexto adverso.

Dirty Work también quedó marcado por la muerte del pianista y colaborador histórico Ian Stewart, fallecido poco antes del lanzamiento, lo que convirtió al álbum en su último trabajo con el grupo.

Más allá de su recepción dispar, el disco funciona hoy como documento de una etapa crítica. La disputa entre Jagger y Richards —basada en visiones opuestas sobre el rumbo artístico, entre la ambición pop y la fidelidad al blues— había comenzado años antes, tras el desplazamiento de Brian Jones, pero alcanzó aquí su punto máximo.

El contexto de los años 80 tampoco favorecía. La irrupción del CD, la expansión de MTV y la creciente digitalización de la producción musical empujaron a numerosos artistas consagrados a adaptarse —no siempre con éxito— a nuevas lógicas de mercado y sonido.

Tras el lanzamiento, la banda entró en un impasse: Jagger y Richards no se verían durante tres años. Recién en 1989 lograrían recomponer su vínculo para el regreso con Steel Wheels, acompañado de una gira mundial que marcó su revitalización.

Cuatro décadas después, Dirty Work permanece como una obra irregular pero reveladora. Lejos de su época dorada, el álbum retrata a los Rolling Stones en su momento más disfuncional, pero también deja entrever destellos de la energía que definiría su posterior resurgimiento.

Un viaje al corazón del rock sureño en el Abasto

El Conventillo Cultural Abasto se transformó el viernes por la noche en una pequeña estación del sur profundo de Estados Unidos. Allí, una banda liderada por el guitarrista y cantante Juan Manuel Rodríguez Silva ofreció un tributo a The Allman Brothers Band que combinó virtuosismo, conocimiento del repertorio y un respeto absoluto por una de las tradiciones más ricas del rock.

Acompañado por Demian Núñez en guitarra, Lucho Herlein en teclados, Sebastián Heudtlass en bajo y Federico Renati en batería —con la participación especial de Franco Martino en guitarra—, el grupo desplegó un nivel de ensamble que sorprendió desde el primer momento. Aunque la banda ya había realizado tributos a George Harrison y Derek and the Dominos, la naturalidad con la que se movieron en este repertorio hizo pensar que tocan estas canciones a diario.

El concierto comenzó con Hot Lanta, un instrumental para entrar en calor, y siguió con Statesboro Blues, donde Núñez desató un brutal slide que encendió al público. Luego llegaron Trouble No More, con su esencia blusera y ejecución frenética, y una extensa y demoledora versión de In Memory of Elizabeth Reed. Allí apareció en plenitud el espíritu del grupo homenajeado: una compleja arquitectura rítmica en la que las guitarras se entrelazaron con el Hammond para recrear el clima hipnótico del rock sureño, con solos largos y texturas cambiantes.

En el tramo central del show el clima se volvió más íntimo. Rodríguez Silva invitó al escenario a Franco Martino y juntos ofrecieron un set electroacústico y minimalista con Midnight Rider y Blue Sky. Las dos guitarras fluyeron sincronizadas, sosteniendo melodías limpias y armonías vocales delicadas que aportaron un respiro antes de volver a la intensidad eléctrica.

El resto de la banda regresó para otro instrumental de peso, Jessica, y luego para un cierre con tres guitarras que encontró su punto alto en Ramblin’ Man. Tras la salida de Martino, el grupo se zambulló en la épica de Whipping Post, ejecutada con una energía casi cinematográfica, como si el mismísimo William Wallace hubiese lanzado un grito de batalla antes del ataque final. El remate llegó con You Don’t Love Me, con el guitarrista zurdo Juan Cruz Posadas, que había sido telonero del show con su trío, como invitado especial.

Más allá del entusiasmo del público, la noche dejó una sensación poco frecuente: la de haber presenciado algo casi inédito en la escena local. No abundan antecedentes de tributos dedicados exclusivamente a The Allman Brothers Band en Buenos Aires. En los años setenta, grupos como Stubeaker y Carolina habían tomado su influencia; poco después fueron los Dulces 16 de la mano de Conejo Jolivet; más tarde Víctor Hamudis y Yalo López mantuvieron viva esa tradición, pero siempre enfocados en canciones propias. En tiempos más recientes, el grupo Támesis versionó algunas de sus canciones y el guitarrista Nico Bereciartua —hoy integrante de The Black Crowes— también se declaró devoto de los músicos de Macon.

Pero lo ocurrido en el Abasto fue algo más que una cita nostálgica. Durante dos horas, el legado del rock sureño volvió a respirar con fuerza propia. Y lo hizo con la convicción de quienes saben que, cuando las guitarras dialogan de esa manera, la historia sigue viva

La Escuela de Blues celebró 25 años con una clase magistral sobre la historia del género

La Escuela de Blues, fundada por Gabriel Grätzer, Mauro Diana y Gabriel Cabiaglia, celebró sus 25 años con un emotivo show en Lucille que fue mucho más que un recital: una clase abierta sobre la historia del blues, desde sus raíces más profundas hasta su expresión en la Argentina. Durante una hora y media, con la sala colmada, el escenario se convirtió en una suerte de línea de tiempo musical por la que desfilaron egresados y docentes de la institución.

El aniversario no es un dato menor si se considera el contexto en el que nació la escuela. Abrió sus puertas en 2000, en la antesala del estallido social y económico que marcaría a fuego a la Argentina. Desde entonces atravesó crisis recurrentes, cambios de época y hasta la pandemia, pero logró consolidarse como uno de los espacios de formación más importantes dedicados al género en el país.

La celebración tuvo como guía a Grätzer, quien ofició de maestro de ceremonias y comenzó la noche a capella con un cornfield holler, una forma primitiva de canto rítmico y expresivo de raíces africanas que los esclavos utilizaban en los campos del sur de Estados Unidos para comunicarse y aliviar el trabajo. Con sus melismas y entonaciones nasales, ese llamado ancestral marcó el punto de partida del viaje musical.

Luego invitó al guitarrista Juan Codazzi y, a dos guitarras, interpretaron Maggie Campbell Blues, de Tommy Johnson, y Frisco Town, de Memphis Minnie, dos clásicos del blues rural del Delta del Mississippi. El cantante Darío Soto aportó un matiz espiritual con Down by the Riverside, mientras que Leo Caruso rindió honores a la tradición del piano con una majestuosa versión de St. James Infirmary Blues.

Uno de los momentos más logrados llegó cuando Grätzer y Codazzi comenzaron Night Time Is the Right Time. El tema funcionó como una metáfora sonora de la evolución del género: de lo rural a lo urbano, del sonido acústico al eléctrico. A medida que avanzaba la canción se fueron sumando Miguel Ángel Romeo en batería, Lorenzo Padín en bajo y Matías Muriete en guitarra, transformando gradualmente la textura musical.

La segunda parte de la noche se sumergió en el blues eléctrico de Chicago. Un homenaje instrumental a Walter Horton, el Walter's Boogie con Ximena Monzón en armónica, abrió paso a clásicos como You Don’t Have to Go, de Jimmy Reed, y Smokestack Lightnin’, de Howlin’ Wolf, cantada con intensidad por Darío Soto. También subieron al escenario músicos como Roberto Porzio, Gabriel Cabiaglia y Nacho Ladisa.

El guitarrista Julio Fabiani evocó el estilo elegante de T-Bone Walker con Tell Me What the Reason, mientras que Pilar Padín le puso su voz a Wang Dang Doodle, de Koko Taylor, y Drown in My Own Tears, de Ray Charles.

Hacia el final, la historia del blues se cruzó con su desembarco en la Argentina. La cantante y pianista Cristina Dall se sentó frente al teclado y revivió el espíritu de Las Blacanblus con tres canciones consecutivas: Depre Blues, No quiero tu dinero y El paso.

El cierre reunió a todos los músicos en escena para un medley que incluyó Sweet Home Chicago y Estamos haciendo las cosas bien, de Easy Babies, en homenaje a Mauro Diana, cofundador de la escuela, quien no pudo estar presente por cuestiones de salud.

A 25 años de su nacimiento —y en medio de un presente nuevamente marcado por la incertidumbre económica, confrontaciones y el aumento del desempleo— la Escuela de Blues volvió a demostrar que el género nacido del dolor y la resistencia sigue encontrando eco en la Argentina. Como ocurrió en 2001, el blues vuelve a ser refugio, memoria y forma de resistencia.

Días de Pescado: un viaje al corazón salvaje de Spinetta

El periodista Nicolás Igarzabál suma un nuevo volumen a la extensa bibliografía sobre Luis Alberto Spinetta con el lanzamiento de Días de Pescado, editado por Gourmet Musical. El libro pone el foco en un período breve pero decisivo: los años 1971 y 1973, cuando el fundador de Almendra impulsó la experiencia de Pescado Rabioso y se acercó a una sonoridad más cruda, influida por el hard rock y la psicodelia internacional.

Lejos de abordar la totalidad de su trayectoria, Igarzabál opta por concentrarse en la transición que siguió a la disolución de Almendra. Ese quiebre marcó para Spinetta una etapa de redefinición artística y personal que él mismo describió como “oscura” y “caótica”. En paralelo a la ruptura sentimental con Cristina Bustamante y a su inmersión en un entorno de alta experimentación y consumo de LSD, el músico buscó desprenderse de las exigencias de la industria discográfica, incluso cuando Muchacha (ojos de papel) se convertía en un éxito comercial masivo.

El libro reconstruye los primeros ensayos de Pescado Rabioso en la casa de la calle Arribeños y en una quinta de Castelar facilitada por Jorge Pistocchi. Allí, junto a Black Amaya y Osvaldo “Bocón” Frascino, comenzó a delinearse un power trío que miraba tanto al blues eléctrico como a la experimentación local. La influencia de guitarristas como Jimi Hendrix y el peso de bandas como Led Zeppelin aparecen como telón de fondo de esa búsqueda sonora.

Uno de los capítulos centrales está dedicado al debut oficial del grupo, en la madrugada del 6 de mayo de 1972 en el Cine Metro. Igarzabál reconstruye esa jornada a partir de crónicas de revistas como Pelo y La Bella Gente y del diario La Opinión. El concierto dejó buenas impresiones y abrió una seguidilla de presentaciones en un clima político y social atravesado por la crisis del régimen militar que había encabezado Juan Carlos Onganía y que continuaron Roberto Levingston y Alejandro Lanusse.

La grabación de Desatormentándonos en los estudios Phonoalex, la posterior incorporación de Carlos Cutaia y la abrupta salida de Bocón —quien abandonó la banda en pleno show— son narradas con apoyo en textos de época, entre ellos un artículo de Miguel Grinberg que el autor rescata para aportar contexto y mirada crítica.

El año 1972 resultó clave para la consolidación del grupo. Con la llegada de David Lebón, Pescado dejó de ser trío y amplió su paleta sonora. Participó del festival BA Rock y fue parte de la recordada noche del Luna Park en la que se atribuye a Billy Bond la arenga “¡Rompan todo!”. Ese mismo año editaron Pescado 2, álbum que incluyó composiciones como Nena boba, Credulidad y Hola dulce viento.

Igarzabál también repasa el verano de 1973, cuando la banda alcanzó su punto máximo de actividad, con giras por la costa atlántica y actuaciones en Buenos Aires en un contexto de creciente tensión con las fuerzas de seguridad. La aparición en la película Rock hasta que se ponga el sol amplió la exposición pública del grupo en un momento de transición política que culminaría con el triunfo electoral de Héctor Cámpora.

 Sin embargo, el éxito artístico no evitó la fractura interna. A mediados de 1973, Pescado Rabioso se disolvió en medio de tensiones personales y diferencias creativas. Spinetta quedó solo con el nombre del grupo por cuestiones contractuales y decidió cerrar el ciclo con Artaud, un disco que llevaba el sello de la banda pero que en los hechos fue un proyecto solista, presentado en el Teatro Astral en agosto de ese año.

Con un enfoque documental y apoyado en testimonios, archivos, fotos inéditas y publicaciones contemporáneas, Días de Pescado propone releer esos dos años como una bisagra en la historia del rock argentino. Más que una biografía convencional, el libro se presenta como la crónica de una transición: la del artista que, tras el fin de una etapa fundacional, eligió “viajar” hacia territorios más intensos y riesgosos antes de volver a transformarse.

John Hammond Jr., una vida dedicada al blues

El guitarrista y cantante estadounidense John Hammond Jr., una de las figuras centrales del revival del blues de los años sesenta y un nexo entre los clásicos del Delta y el público contemporáneo durante décadas, murió este sábado 28 de febrero a los 83 años, según confirmaron allegados a su entorno.

Nacido el 13 de noviembre de 1942 en Nueva York, Hammond fue hijo del legendario cazatalentos de Columbia Records, John Hammond Sr., aunque no creció junto a él tras la separación de sus padres. Su educación sentimental, más que doméstica, fue musical: descubrió la guitarra en la secundaria y quedó fascinado con la técnica del slide. Ver a Jimmy Reed en el Apollo Theater marcó un punto de no retorno.

En plena efervescencia del folk revival estadounidense, a comienzos de los años sesenta, Hammond abandonó una beca en Antioch College para dedicarse de lleno al blues. En 1962 ya era una presencia habitual del circuito de cafés y festivales de la Costa Este, donde interpretaba repertorio de maestros como Mississippi John Hurt, Rev. Gary Davis y Skip James, figuras redescubiertas por aquella primera gran “renovación” del género. Con apenas 20 años había sido entrevistado por The New York Times y ya era considerado un número artístico importante.

Su padre fue quien fichó a Bob Dylan para Columbia Records a comienzos de los sesenta, aunque siempre se dijo que fue él quien le recomendó al joven cantautor de Minnesota. Durante esos años, ambos músicos compartieron la escena folk neoyorquina.

Algunos críticos lo describieron como un “Robert Johnson blanco”, comparación que él nunca buscó pero que ilustra su intensidad interpretativa. Hammond construyó una identidad propia: solo en escena, guitarra acústica, armónica sujeta al cuello, voz áspera y expresiva, y una presencia sobria que devolvía a la vida canciones de los años treinta, cuarenta y cincuenta. Sin embargo, también supo liderar formaciones eléctricas con solvencia y energía.

En 1966, cuando vivía en el Village neoyorquino, fue testigo de la llegada de un joven guitarrista llamado Jimi Hendrix en busca de oportunidades. Hammond lo ayudó a conseguir actuaciones en el Cafe Au Go Go. Allí sería descubierto por Chas Chandler, quien lo llevaría a Inglaterra y lo catapultaría a la fama. “La siguiente vez que lo vi, un año después, ya era una estrella en Europa”, recordaría Hammond décadas más tarde.

A lo largo de los años sesenta y setenta grabó y tocó con músicos como Robbie Robertson, Duane Allman, Dr. John, Charlie Musselwhite, Michael Bloomfield y David Bromberg, ampliando su paleta sonora sin abandonar la raíz.

Su discografía, que supera las dos docenas de álbumes, incluye registros fundamentales como I Can Tell —grabado con Bill Wyman—, Southern Fried (1968), Source Point (1970) y la serie de trabajos para Point Blank/Virgin en los años noventa, entre ellos Got Love If You Want It, Trouble No More —producido por J.J. Cale— y Found True Love. Ya en el nuevo milenio publicó discos como Wicked Grin, en el que versionó temas de su amigo Tom Waits,  Ready for Love (2002), producido por David Hidalgo, In Your Arms Again (2005), Push Comes to Shove (2007), el crudo Rough & Tough (2009) y el directo solista Timeless (2014).

Hammond nunca se presentó como compositor. Su misión fue otra: custodiar y revitalizar el cancionero clásico del blues. Con cada interpretación, invitaba al público a retroceder en el tiempo y descubrir a los autores originales. Esa tarea —más curatorial que autoral, pero no menos creativa— le valió el respeto de colegas y críticos.

Estuvo dos veces en la Argentina. La primera se presento como telonero del legendario Albert Collins en el Teatro Gran Rex, en los noventa, y la segunda fue con show propio en en el ND Ateneo en 2005.

Radicado en el norte de Nueva Jersey, continuó girando por Estados Unidos, Canadá y Europa hasta avanzada edad. En escena, ya fuera solo o con banda, conservaba la intensidad de sus comienzos. Su muerte cierra un capítulo esencial del blues moderno: el de un intérprete que entendió que la tradición no es un museo, sino un fuego que se mantiene encendido al pasarlo de mano en mano.

La Patria Stone celebró diez años del último rugido en La Plata

A las seis de la tarde, el ritual ya estaba en marcha. No fue un martes más: se cumplían diez años de la última visita de los Rolling Stones a la Argentina y la Patria Stone volvió a reunirse para celebrar aquella despedida que, con el tiempo, adquirió dimensión histórica.

La cita fue en Musicomio, el amplio espacio de venta de discos ubicado en la esquina de Álvarez Thomas y Olleros, en Colegiales, donde también funciona el local de indumentaria rockera Hot Rocks. Entre las 18 y las 21, el encuentro fue un abrazo generacional. La mayoría del público rondaba esa edad en la que el rock ya no es descubrimiento sino biografía. Hombres y mujeres que estuvieron en el Estadio Único de La Plata en febrero de 2016 —muchos en las tres fechas— se reconocían como coprotagonistas de una fiesta épica, multitudinaria e intensa.

La música comenzó con un DJ bandejeando grandes éxitos de los Stones, para luego volverse orgánica y en directo con Gi Acosta & The Band, un trío acústico que eligió Miss You, Wild Horses y Night Time Is The Right Time para tocar la fibra sensible de los asistentes. Luego fue el turno de Los Complicados, liderados por los ex Blues Motel Gaba Díaz y Adrián Herrera. El repertorio sostuvo el pulso del ADN stone: una docena de canciones de raíz blusera que los Stones supieron hacer propias —I Just Want To Make Love To You, Honest I Do, Little Red Rooster— y clásicos inoxidables como It’s Only Rock And Roll y Dead Flowers. Hubo invitados que reforzaron la mística: Luli Bass, el vocalista Damián Rende y Fachi, bajista de Viejas Locas.

Pero la verdadera protagonista de la noche no estuvo sobre el escenario sino en la memoria colectiva.

En 2016, por primera vez, los Rolling Stones tocaron fuera de la Ciudad de Buenos Aires. Eligieron el Estadio Único de La Plata y esa decisión modificó la experiencia: ya no se trataba de tomar el subte o un colectivo hasta Núñez, sino de emprender una peregrinación. Los días 7, 10 y 13 de febrero, la Autopista Buenos Aires–La Plata dejó de ser un corredor vial para convertirse en una caravana de remeras negras y banderas con lengua.

Durante esa semana, La Plata fue la capital mundial del rock. Desde el conurbano, el interior y países vecinos, una marea humana confluyó en ese estadio que durante tres noches se consagró al rito stone.

El domingo 7, bajo una lluvia intermitente, Start Me Up abrió el fuego. Mick Jagger, con una energía que desmentía cualquier calendario, lanzó una frase que todavía circula como estampita: “¡Hola Buenos Aires! ¡Hola che! ¡Definitivamente acá hacen el mejor pogo del mundo!”. El público había elegido por votación online Street Fighting Man y el set incluyó clásicos y gemas como Paint It Black, Honky Tonk Women y Anybody Seen My Baby?. Keith Richards se lució con Happy y Can't Be Seen. Fue una declaración de amor mutua. El detalle, que se repitió las tres noches, fue la versión de You Can't Always Get What You Want, con el acompañamiento vocal del Estudio Coral de Buenos Aires.

El miércoles 10 quedó marcado por la emoción. Charly García estaba entre el público, días después de haber tocado para Jagger y Ron Wood en el Hotel Faena. Jagger saludó con picardía: “Tenemos invitados especiales. El famoso Charly García y el papa Francisco que nos mira desde México. ¡Hola Pancho!”. Esa noche sonaron Angie y la monumental Can't You Hear Me Knocking. Y también hubo sorpresas: Let's Spend the Night Together y Before They Make Me Run. 

El 13 de febrero fue el cierre. Richards regaló una conmovedora versión de You Got the Silver que agingantó su leyenda. La sensación de estar ante algo irrepetible flotaba en el aire. Nadie lo decía en voz alta, pero muchos intuían que podía ser la última vez. Cuando las luces se encendieron y la multitud comenzó a desconcentrarse, el silencio posterior a Satisfaction tuvo algo de despedida anticipada.

Diez años después, en Colegiales, aquel duelo se transformó en celebración. Sin pantallas gigantes ni fuegos artificiales, pero con algo más persistente: la comunidad. Cada canción tocada fue una forma de volver a cruzar la autopista, de sentir el barro bajo las zapatillas y de escuchar el rugido de 50 mil gargantas cantando al unísono.

La conmemoración confirmó que los Rolling Stones en la Argentina no son solo una banda extranjera en gira, sino parte del relato emocional de varias generaciones. Y aunque el calendario marque una década desde el último acorde en La Plata, la bandera con la lengua stone sigue flameando. No como nostalgia, sino como presente continuo.

A las 21, cuando el volumen bajó y las luces de Musicomio se encendieron, nadie se fue de inmediato. Como en 2016, cuando costaba abandonar el estadio, muchos se quedaron un rato más, estirando el momento. Diez años después, la peregrinación continúa —ahora hacia adentro, hacia la memoria— y el ritual permanece intacto. Porque no es solo rock and roll, sino mucho más que eso.

Por qué la banda de sonido de Sinners puede provocar una nueva ola de interés por el blues

La película Sinners, dirigida por Ryan Coogler, no solo hizo historia al convertirse en el film con más nominaciones al Oscar en la trayectoria de la Academia de Hollywood, sino que además colocó al blues en el centro de la conversación cultural contemporánea. En un contexto dominado por el pop, el hip-hop y las plataformas digitales, la banda de sonido emerge como un fenómeno capaz de revitalizar uno de los géneros fundacionales de la música popular estadounidense.

Ambientada en el Delta del Mississippi de los años treinta, Sinners es un thriller sobrenatural que encuentra en la música su verdadero eje narrativo. Desde su concepción, Coogler entendió que el blues no debía ser un simple acompañamiento atmosférico, sino un personaje central. Para ello volvió a convocar a su colaborador habitual, el compositor y productor sueco Ludwig Göransson, quien junto a Serena Göransson —en su debut como supervisora musical— construyó una obra sonora que dialoga entre pasado, presente y futuro.

El resultado es una banda de sonido ambiciosa y profundamente orgánica, con 29 momentos musicales integrados a la acción sin convertir a la película en un musical tradicional. “Queríamos que la música se sintiera viva, cotidiana, como parte natural de la comunidad”, explicó Serena Göransson en entrevistas previas. Para lograrlo, el equipo se trasladó durante meses a Nueva Orleans, donde músicos y actores trabajaron codo a codo, muchas veces grabando interpretaciones en vivo durante el rodaje.

El punto culminante del film —y de su impacto cultural— es I Lied to You, canción original interpretada por Miles Caton, quien encarna a Sammie, un joven prodigio del blues. La pieza, nominada al Oscar a Mejor Canción Original, condensa en pocos minutos la evolución de la música negra estadounidense: del blues rural al rock, del funk al hip-hop, atravesando décadas de historia en una secuencia memorable.

I Lied to You no solo destaca por su potencia dramática y musical, sino por su valor simbólico. En la voz grave de Caton y en el uso del resonator Dobro Cyclops de 1932 —el mismo instrumento que su personaje lleva en pantalla— la canción conecta la raíz del Delta con las expresiones urbanas contemporáneas. Esa fusión es, para muchos analistas, la clave de su impacto entre públicos jóvenes poco familiarizados con el blues tradicional.

La banda sonora de Sinners reúne además a un elenco intergeneracional poco frecuente: leyendas como Buddy Guy -quien además tiene una aparición en la película- y Bobby Rush conviven con figuras actuales como Brittany Howard, Raphael Saadiq, Rod Wave y James Blake. También participan músicos provenientes de otros universos, como Jerry Cantrell (Alice in Chains) y Lars Ulrich (Metallica), reforzando la idea de que el blues atraviesa géneros y épocas.

Lejos de una mirada nostálgica, la propuesta musical del film presenta al blues como una fuerza viva, capaz de dialogar con el presente sin perder identidad. En ese sentido, la nominación de I Lied to You funciona como un reconocimiento institucional inédito para el género en décadas recientes, y abre la puerta a una posible revalorización dentro de la industria.

Para Ludwig Göransson, el objetivo es claro: “Quiero que los chicos salgan del cine con ganas de agarrar una guitarra”. Para Serena Göransson, el mensaje es aún más amplio: “El blues es la mayor contribución cultural de Estados Unidos al mundo. Está en todas partes, aunque muchas veces no lo reconozcamos”.

En tiempos donde la música parece fragmentarse en nichos cada vez más específicos, Sinners propone un regreso a la raíz como camino hacia el futuro. Y con los Oscar como amplificador global, el blues —ese lenguaje nacido del dolor, la resistencia y la comunidad— vuelve a hacerse escuchar con fuerza renovada.

Didi: una pieza fundamental del jazz argentino que revive el sonido de los setenta

El álbum Didi, único registro como band-leader del pianista, compositor y productor Fernando Gelbard, se publica por primera vez en la Argentina en formato CD. Editado por RP Music, el lanzamiento recupera una obra clave del jazz local grabada en 1974 y suma dos bonus tracks, en una edición que completa el recorrido internacional del disco, previamente publicado en LP en el Reino Unido, Japón y, recientemente, reeditado en vinilo en Alemania.

Originalmente editado por el sello Redondel, Didi ocupa un lugar singular dentro de la discografía del jazz argentino. Aunque Gelbard integró innumerables grupos y participó en grabaciones y presentaciones históricas, este álbum fue el único en el que asumió el rol central de compositor e intérprete. “La selección de los temas de Didi fue algo natural. Me dije: ‘los voy a componer yo todos’”, recordó el músico en diálogo con la Agencia Noticias Argentinas. En una escena dominada por standards y repertorio compartido, la decisión de crear un programa íntegramente propio marcó una toma de posición artística.

El disco fue grabado en un contexto tan fértil como incierto. A comienzos de los años setenta, Gelbard era parte activa de la vibrante escena porteña, habitual de las jam sessions que se realizaban en la casa de Carlos Tarzia y punto de encuentro intergeneracional del jazz local, con visitas de figuras internacionales. Al mismo tiempo, el clima político anticipaba tiempos difíciles. “Era un momento muy especial porque yo sabía, como mi papá había sido ministro de Economía de Perón, que si se venía un golpe militar, me iban a matar o me iba a tener que ir, y entonces ese disco tenía que salir ‘ahora o nunca’”, explicó. “Entonces fui a los estudios Music Hall, que tenía una consola de ocho canales, y ahí grabé el disco rodeado de un grupo de músicos de primerísima”.

Para la grabación, Gelbard convocó a colegas y amigos que definieron el sonido del álbum: Horacio “Chivo” Borraro en saxo tenor, Ricardo Salas en bajo eléctrico, Norberto Minichilo en batería, “Chino” Rossi en percusión y Rubén Rada en percusión y voz. La producción quedó en manos de Juan Carlos Maqueira y AlbertoTsalpakian, mientras que Gelbard se concentró en la composición y la interpretación. “Con el Negro Rada éramos amigos y se me ocurrió llamarlo para grabar, porque hay una fórmula que no falla: si uno se rodea de los mejores músicos, es más factible que el disco salga bien”, señaló.

Titulado con el sobrenombre de su esposa, a quien está dedicado, Didi abre con Hola Didi, una pieza que funciona como homenaje íntimo y declaración estética. El álbum refleja además la curiosidad tecnológica del período: Gelbard utilizó piano eléctrico y un sintetizador Moog —“probablemente uno de los primeros sino el primero en la Argentina”— y desarrolló parte del material a partir de la experimentación sonora. “De repente me levantaba en medio de la noche y empezaba a buscar sonidos e ideas. Fue pura inspiración, es muy difícil de explicarlo”, afirmó.

La edición en CD incorpora dos bonus tracks: Havana Nights, una improvisación y experimento de Gelbard, y una mezcla alternativa de Alevacolariea, composición compartida con Rada. Para el músico, el álbum conserva vigencia: “El disco sintetiza el sonido de la década del setenta, un sonido que probablemente es válido hoy en día”.

Radicado desde hace años en Estados Unidos, Fernando Gelbard desarrolló una extensa trayectoria internacional como productor, arreglador y músico, trabajó con figuras como Rob McConnell, Phil Woods, Enrico Rava, Miles Davis y Henry Mancini, entre muchos otros, además de editar y recuperar grabaciones históricas de músicos argentinos en el exterior. La llegada de Didi en CD al país no solo completa su circulación local, sino que devuelve al presente una pieza fundamental de la historia del jazz argentino.

Memphis la Blusera: el libro que salda una vieja deuda

Lo único importante – La fantástica historia de Memphis la Blusera es el título del nuevo libro de Guillermo Blanco Alvarado que acaba de llegar a las librerías y que se propone reconstruir, con mirada periodística y pulso narrativo, el derrotero completo de una de las bandas más influyentes del blues argentino. Editado por El Bien del Sauce, el volumen tiene 300 páginas y se presenta como una obra coral, sostenida por decenas de testimonios de músicos, amigos, familiares y allegados al grupo.

El libro recorre la historia de Memphis la Blusera desde sus primeros pasos a mediados de los años setenta hasta la actualidad, integrando no solo el relato interno de la banda sino también el contexto histórico y cultural que permitió su irrupción. En una escena donde el blues argentino, que había estado dominado por formaciones en formato de trío -como Manal o Pappo’s Blues-, Memphis propuso una identidad distinta, con una banda numerosa, una impronta rítmica poderosa y letras que conectaron con un público cada vez más amplio.

Adrián Otero, Emilio Villanueva y el Ruso Beiserman aparecen como figuras centrales en el nacimiento de un proyecto que alcanzaría su punto de mayor visibilidad en la década del noventa, cuando el blues vivió un verdadero boom en la Argentina. En esos años, la banda llenaba teatros como el Gran Rex y el Ópera, tocaba en el estadio Obras y vendía discos de manera masiva, en paralelo a la llegada al país de grandes músicos internacionales del género.

Blanco Alvarado estructuró el libro a partir de múltiples capas: biografías de todos los músicos que pasaron por la banda, reseñas de los discos a cargo de periodistas y colegas, y un relato cronológico que va desde los barrios de origen de sus fundadores —cuando el blues se escuchaba “en cuentagotas”— hasta los años de consagración, los cambios de formación, el declive, la separación y la posterior reconversión con nuevos protagonistas.

El texto no esquiva los conflictos: peleas internas, juicios, excesos, borracheras memorables y el impacto de muertes que marcaron al grupo forman parte de un recorrido intenso y sin edulcorantes. A lo largo de la lectura, el autor plantea interrogantes que se van revelando página a página: ¿por qué tantos cambios de integrantes?, ¿a quiénes estuvieron dedicadas canciones emblemáticas como La flor más bella o La bifurcada?, ¿fue Memphis la Blusera la banda de blues más grande de la Argentina?

Periodista de amplia trayectoria, Blanco Alvarado firma su tercer libro —el primero dedicado a la música— y vuelca en estas páginas su experiencia como conductor del programa radial No tan distintos, especializado en blues y jazz, por el que entrevistó a todos los miembros de la banda. En el prólogo, Humphrey Inzillo sintetiza el espíritu de la obra al señalar que resultaba llamativo que, hasta ahora, nadie hubiera contado esta historia. Por eso, define al libro como “un acto de justicia” con una banda que dejó una huella indeleble en la música popular argentina.

Stewart Copeland trastornó a The Police en clave sinfónica

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Stewart Copeland, el histórico baterista de The Police, se presentó en el Teatro Gran Rex con una propuesta tan novedosa como provocadora: Police Deranged for Orchestra. “Deranged” significa trastornado, y el concepto atraviesa todo el espectáculo: tomar canciones consagradas, sacarlas de su forma original y reconstruirlas en un diálogo permanente entre rock, música contemporánea y orquesta.

El escenario reunió a las cantantes Sarah Jane, Alta Gracia y Rachel Melanie, que vinieron junto a Copeland; al bloque rítmico de Eruca Sativa con Lula Bertoldi en guitarra, Brenda Martin en bajo y la participación ocasional de Gabriel Pedernera en batería, cuando Copeland abandonó su puesto para empuñar la guitarra eléctrica. El marco sinfónico estuvo a cargo de Nico Sorín, quien dirigió una orquesta de más de 20 músicos que funcionó como un organismo vivo, siempre en tensión.

El teatro estuvo colmado por un público mayoritariamente de entre 50 y 60 años. Para todos ellos —para nosotros— las canciones de The Police formaron parte de la banda sonora de la adolescencia y juventud. El show comenzó minutos antes de las 21 y Copeland abrió con Demolition Man, uno de los temas menos populares del repertorio, una elección que funcionó como una clara declaración de principios.

Copeland se mostró locuaz, agradecido y con un humor constante. Bromeó con haber cometido “sacrilegios” con algunas canciones: “Hay temas que son diamantes y no se pueden cortar; otros, en cambio, se dejan transformar”, dijo antes de lanzar una versión casi irreconocible de Roxanne. Hubo elogios para Sting y Andy Summers —celebrados por el público— y chicanas sobre el amor de Sting por los “jazz chords”, antes de otro clásico del trío británico como Murder by Numbers.

El recorrido alternó melodías reconocibles con pasajes completamente desarticulados. Spirits in The Material World fue una de las más fieles a la original, mientras que otros temas brillaron por arreglos exquisitos y sorprendentes. No faltó un guiño demagógico —“Buenos Aires tiene la mejor audiencia del mundo”— que fue premiado con otra ovación. “Las canciones de Sting son muy intelectuales”, lanzó Copeland, siempre entre la ironía y la admiración.

Siguieron One World (Not Three), con un solo de percusión en la introducción, y Walking on the Moon, sostenida en un mano a mano de drum & bass que respetó su espíritu reggae. En uno de los momentos más celebrados, Copeland ocupó el lugar de Sorín y dirigió a la orquesta en una épica instrumental, The Equalizer, que compuso para la película homónima, con un intenso solo de guitarra de Lula Bertoldi. Luego llegó una introducción monumental para Every Breath You Take, con vocalizaciones cercanas al góspel, en uno de los momentos más emotivos de la noche.

De regreso a la guitarra, anunció a “Metallica interpretando a Stravinsky” para Orc Jam y, sin soltarla, encaró The Bed’s Too Big Without You. “Yo era una rock star y ahora soy un abuelo, así que tengo permitido tomar agua”, bromeó mientras se hidrataba de regreso a la batería.

El tramo final fue a puro hit: Don’t Stand So Close to Me, Message in a Bottle y Can’t Stand Losing You, en las que el público acompañó coreando los estribillos. En los bises, Bertoldi cantó una versión poderosa de Magoo, tema de Eruca Sativa grabado en 2010, con Copeland en guitarra. “Es un tipazo, nos pidió que toquemos una de Eruca”, agradeció. El cierre, intenso y emotivo, llegó con Every Little Thing She Does Is Magic.

El show combinó energía rítmica, melodías emblemáticas y la complejidad sonora de una orquesta conducida con precisión por Sorín, bajo la batuta —literal y simbólica— de un Copeland tan irreverente como lúcido.

Más que un homenaje, Police Deranged for Orchestra fue una relectura sin concesiones: Copeland no vino a reproducir el pasado sino a discutirlo, a ponerlo en crisis y volverlo presente. Entre el pulso visceral del rock, la arquitectura sinfónica y un humor que descomprimió toda solemnidad, el ex Police confirmó que el verdadero riesgo no está en trastornar los clásicos, sino en dejarlos intactos.

Steve Cropper, arquitecto del sonido Stax y guitarrista emblemático de los Blues Brothers

El guitarrista y productor estadounidense Steve Cropper, uno de los nombres más influyentes en la historia del soul y pieza decisiva del sonido Stax, murió a los 84 años, según confirmó su hijo Cameron. Músico de referencia mundial, creador de riffs inmortales, miembro clave de los Blues Brothers y protagonista de más de seis décadas de grabaciones históricas, Cropper dejó una huella imborrable en la música popular del siglo XX.

Nacido en Dora, Missouri, y criado desde niño en Memphis, Cropper descubrió allí el poder del gospel y, a los 14 años, comenzó un camino autodidacta que lo llevó a convertirse en el guitarrista soul más reconocido del mundo. Tras sus primeras experiencias con los Royal Spades, formó parte de la mutación que dio origen a los Mar-Keys, cuyo éxito Last Night de 1961 abrió las puertas del sello Satellite, que luego se transformaría en Stax Records.

En 1962, junto a Booker T. Jones, Al Jackson Jr. y Lewis Steinberg (más tarde reemplazado por Donald “Duck” Dunn), fundó Booker T. & the MG’s, la legendaria banda estable de Stax. Allí nació Green Onions, uno de los instrumentales más celebrados de todos los tiempos y emblema del soul sureño. Su estilo —cálido, preciso, económico, siempre al servicio de la canción— se convirtió en marca registrada. Entre estudio y escenarios, Cropper también asumió tareas de A&R y producción en Stax, convirtiéndose en una figura clave en la definición estética del sello.

Entre 1965 y 1969 vivió su etapa más prolífica: produjo más de un centenar de singles, tocó en decenas de álbumes y coescribió clásicos absolutos como In the Midnight Hour, Just One More Day, Comfort Me o See Saw. Su sociedad creativa con Otis Redding alcanzó un punto culminante con (Sittin’ On) The Dock of the Bay” escrita junto al cantante poco antes de su muerte y convertida luego en el primer número uno póstumo de la historia del pop estadounidense.

Tras dejar Stax en 1970, Cropper cofundó TMI Studios y amplió su radio de acción: colaboró con Ringo Starr, John Prine, Buddy Miles, Ramsey Lewis y José Feliciano, entre muchos otros. A mediados de los setenta se radicó en Los Ángeles, donde continuó produciendo y participando en sesiones de rock, soul y R&B. En ese periodo también tocó en el álbum Rock ’n’ Roll de John Lennon y se unió a la banda de Levon Helm.

Su popularidad se multiplicó en 1978 al integrarse al proyecto de los Blues Brothers, primero en Saturday Night Live y luego en discos y películas que recuperaron para el gran público la sonoridad clásica de Stax. El éxito global de la banda lo convirtió en una figura reconocible también fuera del ámbito estrictamente musical.

En los ochenta y noventa alternó giras, grabaciones junto a artistas tan diversos como Dolly Parton, B.B. King, Etta James, Ringo Starr o Buddy Guy, y reuniones ocasionales con Booker T. & the MG’s. En 1992 ingresó al Salón de la Fama del Rock & Roll, reconocimiento a una trayectoria fundamental en la música afroamericana y sus derivaciones.

Lejos de retirarse, Cropper sostuvo una actividad intensa en el nuevo siglo: participó en bandas sonoras, colaboró con Shemekia Copeland, Frank Black, Paul Simon y Dr. John, y emprendió proyectos personales. Entre ellos destacan Dedicated: A Salute to the 5 Royales (2011), homenaje a una de sus grandes influencias, y los trabajos junto a Felix Cavaliere, con quien grabó Nudge It Up a Notch (2008) y Midnight Flyer (2010).

Aún en sus últimos años mantuvo una sorprendente vitalidad creativa. En 2021 publicó Fire It Up, nominado al Grammy, y en 2024 lanzó Friendlytown, disco que reunió a invitados como Billy Gibbons y Brian May.

Con más de 3.500 créditos como compositor, productor o arreglador, Cropper participó en más de 400 grabaciones y moldeó el sonido de artistas esenciales como Sam & Dave, Carla Thomas, Eddie Floyd, Mavis Staples, Wilson Pickett y Otis Redding. Su influencia se extiende a generaciones de guitarristas que encontraron en su estilo sobrio, rítmico y profundamente emotivo un modelo de elegancia y eficacia.

La muerte de Steve Cropper marca el final de una era. Su obra —y su inconfundible toque de guitarra— seguirán resonando como parte esencial del ADN del soul y del rock estadounidense. Su legado, vasto y luminoso, permanecerá vivo en cada compás que ayudó a crear.